Buzz
Trong thập kỷ đầu tiên hoàn toàn không bị ràng buộc bởi các hạn chế về nội dung địa phương nhưng vẫn bị ám ảnh bởi cơn ác mộng của Chiến tranh Việt Nam, phim ảnh đã thay đổi mãi mãi trong những năm 1970. Nhưng trong số đó có những bộ phim nào thực sự là hay nhất?
Sau khi các nhà làm phim nước ngoài làm chủ trong những năm 1960, một phong trào mới của 'New Hollywood' đã bắt đầu với các đạo diễn Hollywood bản xứ tiêu biểu nắm quyền kiểm soát sáng tạo hơn trước đây. Đồng thời, thế giới, và cụ thể là Hoa Kỳ, đang trải qua những ngày u ám nếu một ai đó muốn đánh giá qua tin tức được truyền đạt thông qua sự hiện diện ngày càng tăng của truyền hình. Giữa các vụ bê bối chính trị, chính quyền tham nhũng, tội phạm gia tăng và sự hoài nghi gia tăng, phim ảnh phản ánh một tâm trạng tương tự u ám và/hoặc hủy hoại. Ngay cả phép màu của cuộc hạ cánh trên Mặt Trăng năm 1969 cũng không thể truyền cảm hứng kỳ diệu về các vì sao, khi các nhà làm phim biến không gian thành một nơi rất đáng sợ.
Những anh hùng thể thao tự kỷ, các linh hồn ác quỷ, khách du hành ngoài hành tinh, các vị sư Phật, những người bảo vệ pháp luật, cá mập giết người, và nhiều thứ khác định nghĩa một thập kỷ phức tạp vẫn còn đau đớn vì tội lỗi của Việt Nam và sự tái xuất của căng thẳng Chiến tranh Lạnh. Nhưng những bộ phim nào đã giải trí cho khán giả trong những thời điểm đáng lo ngại này? Đây là 32 bộ phim hay nhất của những năm 1970.
32. Slap Shot (1977)
Đặt cái này vào mục: Paul Newman đang làm gì ở đây? Được viết bởi biên kịch Nancy Dowd và lấy cảm hứng từ thực tế của đội côn cầu hạng nhỏ của anh trai cô bị bán, Slap Shot là một cuộc nổi loạn đầy tục tĩu về một đội côn cầu thị trấn nhỏ đang gặp khó khăn nhận được một đòn bổ mạnh mẽ khi cầu thủ mới nhất của nó, các anh em Hanson, tung ra những trận đấu bóng đá ngoài sân bắt mắt làm hài lòng người hâm mộ. Được đạo diễn bởi George Roy Hill, Slap Shot tiền thân của hầu hết các bộ phim hài thể thao mà một vẫn còn nhanh hơn tất cả với không khí thời tiền sử, các phân đoạn đáng cười và Paul Newman - người giành giải Oscar - trong vai cầu thủ và huấn luyện viên Ruggie Dunlop - không ngờ lại thoải mái như một cựu binh phòng thay đồ già có một tủ đồ đáng ngưỡng mộ.
31. Wanda (1970)
Một tác phẩm nổi bật của điện ảnh độc lập, Wanda theo dõi cuộc sống của một phụ nữ không có triển vọng nào và cuối cùng lạc vào cùng một tên cướp ngân hàng. Công việc của nhà văn, đạo diễn và nữ diễn viên chính Barbara Loden, Wanda là một bức chân dung nhân văn và bi thảm về những người phụ nữ rơi vào những kẽ hở của xã hội hiện đại, vang lên những cảm xúc mất mát không hướng của Loden vào thời điểm đó. Loden đã được chẩn đoán mắc bệnh ung thư vú và qua đời vào năm 1980 với Wanda là nỗ lực đạo diễn duy nhất của Loden. Nhưng ngay cả thông qua chỉ một bộ phim, Loden đã ảnh hưởng đến nhiều thế hệ nghệ sĩ độc lập và thiết lập mãi mãi các tiêu chuẩn cho điện ảnh phá trừ.
30. Nashville (1975)
Trong bộ phim hài âm nhạc kịch Nashville của Robert Altman, một cuộc biểu tình chính trị kéo dài một tuần và lễ hội âm nhạc trở thành một mô hình thu nhỏ cho nước Mỹ những năm 1970, sự to lớn chính trị và xã hội học của nó được nén lại thành một vi mô của ngành công nghiệp âm nhạc đồng quê. Bộ phim nổi tiếng với sự tham gia của một dàn diễn viên lớn bao gồm David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin, và quá nhiều người khác để kể. Mặc dù ngâm trong chính trị và động lực xã hội của những năm 70, bức tranh của Altman vẫn còn hiện đại đáng sợ sau hàng thập kỷ.
29. Suspiria (1977)
Một tượng đài của thể loại kinh dị giallo, tác phẩm kinh điển Suspiria năm 1977 của Dario Argento là một tác phẩm ngoại vi về các mặt tối của matriarchies và nghệ thuật nữ tính. Jessica Harper đóng vai một nữ vũ công người Mỹ chuyển đến một học viện danh tiếng tại Đức, chỉ để phát hiện ra rằng trường học này được cư ngụ bởi một bầy phù thủy. Trong câu chuyện cổ tích bị hỏng này, Argento giải phóng toàn bộ sức mạnh của kỹ thuật màu Technicolor sống động với một loạt các bảng màu đỏ, xanh và hồng xoáy vào nhau giống như một nghi lễ triệu hồi. Kết hợp với bầu không khí không bằng lòng được tạo ra thông qua một điểm số độc đáo của ban nhạc rock tiến bộ Goblin, Suspiria là một tác phẩm uyển chuyển và đáng sợ khó quên.
28. American Graffiti (1973)
George Lucas chỉ mới 29 tuổi khi bộ phim kinh điển về tuổi trưởng thành American Graffiti của ông ra mắt trên màn ảnh với những lời khen ngợi. Tương lai đạo diễn của Star Wars chỉ mới là một thanh niên khiêu vũ nhẹ nhàng khi ông trình diễn sự hoài niệm rụt rè cho những năm tuổi teen của mình vào năm 1962, như một trong những thanh thiếu niên náo loạn khác nhau ngồi vào các chiếc xe hot rods được tinh chỉnh và đi dạo tìm phiêu lưu trong chính trung tâm thành phố của họ. Trong khi tên tuổi của Lucas bây giờ đồng nghĩa với các bộ phim giải trí trốn tránh tồn tại ở quy mô lớn, bộ phim thực sự đời thường nhất của ông, theo dõi một nhóm thiếu niên rock 'n' roll qua một đêm hè trong quê hương California của Lucas ở Modesto, vẫn cảm thấy sống động với sức sống như một tác phẩm thời kỳ bán tự truyện được tạo ra thông qua con mắt của một người không già hơn nhiều so với nhân vật của mình.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
Được đạo diễn bởi Jim Sharman và dựa trên vở nhạc kịch năm 1973, bản tưởng niệm sống động này về phim khoa học viễn tưởng và kinh dị hạng B đa phần bị bỏ qua khi ra mắt, khi nó bị những lời đánh giá tiêu cực và thậm chí còn phải hủy bỏ buổi ra mắt thế giới vào Halloween tại New York City. Cho đến một năm sau đó, bộ phim mới tìm được một đội ngũ fan hâm mộ và củng cố vị thế của mình như một kẻ bất khả chiến bại trong thế giới phim băng giờ nửa đêm. Susan Sarandon và Barry Bostwick đóng vai một cặp đôi trẻ mắc kẹt trong biệt thự huyền bí của một nhà khoa học điên (được đóng bởi Tim Curry không thể quên). Giữa vẻ đẹp độc ác và âm nhạc lây nhiễm, The Rocky Horror Picture Show là một lời mời mãi mãi để thực hiện Time Warp lại, và lại, và lại.
26. The French Connection (1971)
Được rất nhiều người coi là một trong những bộ phim hay nhất mọi thời đại cũng như có một trong những trận đuổi xe hơi hay nhất trong lịch sử, tác phẩm tội phạm của William Friedkin dựa trên một câu chuyện có thật và, khá thích hợp, đã chân thực ghi lại sự dơ bẩn của mùa đông vào đầu những năm 1970 ở New York. Chia thời gian giữa New York và Pháp có phong cảnh đẹp hơn, The French Connection theo dõi hai thám tử cứng cáp của NYPD (do Gene Hackman và Roy Scheider đóng) điều tra về một vòng lắm tay ma túy tiết lộ một âm mưu quốc tế quy mô lớn. Biểu tượng của sự suy thoái đạo đức trong thập kỷ, The French Connection vẫn là một đòn đau sau tất cả những năm tháng.
25. Annie Hall (1977)
Mặc dù sự ngưỡng mộ cho Woody Allen dần trở nên không đáng tin cậy qua các năm, Annie Hall vẫn đáng được khen ngợi với sự nghịch ngợm hết sức và sâu sắc về tình yêu hiện đại. Với nhà văn/đạo diễn Allen về cơ bản đóng vai chính mình (thật bất ngờ, tôi biết), bức tranh theo đuổi một diễn viên hài không thoải mái tìm hiểu tại sao mối quan hệ của anh với bạn gái gần đây nhất của mình, Annie Hall (Diane Keaton) đã vỡ vụn. Tách biệt với hiện thực và kể theo cách không tuần tự diễn biến giữa tuổi thơ kỳ quặc của nhân vật chính và những cuộc hôn nhân thất bại khác của anh, Annie Hall đã giữ vững vị thế của mình như vua của những bộ phim hài lãng mạn, mặc dù với một kết thúc hạnh phúc vẫn khác biệt so với hầu hết các bộ phim hài lãng mạn truyền thống.
24. Halloween (1978)
Bạn chỉ cần nghe những nốt nhạc đầy ám ảnh đó để biết bạn đang ở gần một kẻ giết người trong một chiếc mặt nạ màu trắng kỳ quái. Bộ phim thứ tư của John Carpenter, Halloween, là một trong những bộ phim cơ bản trong thể loại slasher và vẫn là một trong những tác phẩm xuất sắc nhất mà thể loại này mang lại. Nữ diễn viên Jamie Lee Curtis đã trở nên nổi tiếng với vai Laurie Strode, một cô gái trung học hàng ngày bị săn đuổi dã man vào đêm Halloween bởi Michael Myers (do Nick Castle và Tony Moran đóng), một tên giết người gần như bất khả xâm phạm và kẻ trốn viện tâm thần. Trong khi Halloween đã truyền cảm hứng cho rất nhiều phần tiếp theo để tạo ra một trong những series phim kinh dị có doanh thu cao nhất mọi thời đại, bộ phim gốc vẫn là một tác phẩm nghệ thuật độc lập về những vết thương câm lặng luôn rình rập ở khắp mọi khu phố.
23. Kramer vs. Kramer (1979)
Trong bộ phim tâm lý đầy xúc động của Robert Benton, dựa trên một tiểu thuyết năm 1977 của Avery Corman, một cuộc ly dị đắng cay giữa một cặp vợ chồng trẻ - do Meryl Streep và Dustin Huffman đóng - tiết lộ nhiều cách mà xã hội đặt nhiều kỳ vọng gánh nặng lên con người để nuôi dưỡng một gia đình mà đầu gối của họ gục ngã dưới gánh nặng đó. Trong câu chuyện này không có kẻ ác (ngoại trừ một số luật sư lố bịch), chỉ có sự thật khắc nghiệt rằng tình yêu có thể không đạt được những gì chúng ta thực sự mong muốn và cần. Vào năm 1979, Kramer vs. Kramer gây ấn tượng với khán giả với cách thể hiện chân thực về các gia đình hiện đại; theo dữ liệu từ CDC, tỉ lệ ly hôn đạt mức kỷ lục 22,8 phần trăm cùng năm đó.
22. Superman: The Movie (1978)
Với Christopher Reeve điển trai trong vai Người Đàn Ông Thép, cùng với Margot Kidder và Gene Hackman, khán giả thực sự tin rằng một người đàn ông có thể bay. Dựa trên biểu tượng của DC Comics được tạo ra bởi Jerry Siegel và Joe Shuster, bộ phim siêu anh hùng động viên của Richard Donner (và khuôn mẫu cho Vũ trụ Điện ảnh Marvel) chứng minh rằng câu chuyện truyện tranh có thể được kể với các diễn viên thật trên màn ảnh. Giữa một môi trường rối ren bị ám ảnh bởi chiến tranh Việt Nam, Vụ Bê bối Watergate, và nỗi sợ tồn tại do Chiến tranh Lạnh gây ra, Superman: The Movie nhắc nhở khán giả rằng ngay cả những người có quyền lực vẫn có thể đứng lên cho sự thật và công bằng. Liệu đó có phải là con đường của người Mỹ?
21. Enter the Dragon (1973)
Bruce Lee trở thành một ngôi sao lớn hơn sau khi qua đời hơn là khi còn sống, và điều đó chủ yếu là nhờ vào bộ phim hấp dẫn Enter the Dragon. Dưới sự chỉ đạo của Robert Clouse, Enter the Dragon được nhớ đến như một phương tiện cho ngôi sao huyền thoại của nó tỏa sáng với năng lượng supernova trong bộ phim Hollywood duy nhất của anh. Là kiệt tác của sự đàn ông trong võ thuật, Enter the Dragon có sự tham gia của Lee trong vai một vị sư đạo Shaolin được quân đội Anh tuyển mộ để điều tra một chiếc lâu đài trên hòn đảo của một băng đảng tội phạm. Bi kịch của cái chết của Bruce Lee, xảy ra dưới hoàn cảnh kỳ lạ chỉ vài tháng trước khi bộ phim ra mắt, là anh ta rõ ràng đã được định đoạt nhiều hơn. Enter the Dragon chỉ cho ta một cái nhìn qua về những gì có thể đã xảy ra.
20. Saturday Night Fever (1977)
Không có gì định nghĩa thập niên 1970 như disco, và không có bộ phim nào định nghĩa disco như Saturday Night Fever của John Badham. Giữa băng nhạc nền hit và một John Travolta trẻ tuổi nhảy như một con công hào hứng, Saturday Night Fever là một cuộc tấn công vào các giác quan không ngần ngại từ việc nhìn vào những góc tối của quán disco. Travolta đóng vai một chàng trai 19 tuổi tầng lớp lao động, lao động tại cửa hàng phụ tùng của mình vào tuần làm việc để sống như một vị vua mỗi tối thứ Bảy tại quán disco yêu thích của mình. Trong khi bài báo tạp chí mà bộ phim lấy cảm hứng lại hóa ra là một trò đùa, Saturday Night Fever thực sự đã làm cho disco trở thành sự mê hoặc của người Mỹ trong một khoảnh khắc khó quên trong lịch sử.
19. Close Encounters of the Third Kind (1977)
Trước bộ phim gây chấn động của chính Steven Spielberg, E.T.: Người Ngoài Hành Tinh, là tác phẩm epik Close Encounters of the Third Kind của ông năm 1977. Sau một cuộc gặp gỡ ngẫu nhiên với một UFO, một thợ điện ở Indiana (Richard Dreyfuss) tìm cách để có một chỗ ngồi hàng đầu trong cuộc gặp gỡ chính thức đầu tiên giữa Trái Đất và một xã hội ngoài hành tinh. Một màn trình diễn rực rỡ với một tông vua vương đặc biệt và bầu không khí hơn hầu hết các bộ phim xâm lược ngoài hành tinh trước đây hoặc sau này, Close Encounters of the Third Kind là dấu hiệu tiên báo cho một tương lai gần đầy các tác phẩm khoa học viễn tưởng chín chắn.
18. The Deer Hunter (1978)
Ngay sau cuộc chiến ở Việt Nam, phần lớn Hollywood do dự trước việc đối mặt với sự thất bại vô đạo đức của chính sách ngoại giao của Mỹ đã sử dụng hàng trăm sinh mạng con người như quân cờ. Nhưng The Deer Hunter của Michael Cimino (với Robert De Niro, Christopher Walken và Meryl Streep trong dàn diễn viên) là một trong những bộ phim đầu tiên và vẫn là một trong những bộ phim đáng chú ý nhất để trực tiếp đối mặt với sự suy tàn kinh khủng của Chiến tranh Việt Nam đối với đạo đức quốc gia. Trong khi các tài liệu khác nhau về cách The Deer Hunter khác biệt so với kịch bản gốc của nó, được đặt trong tầng dưới của Las Vegas, bộ phim của Cimino là một trí lực không nghiêng không ngoảnh về những người bạn ở Pennsylvania gắn bó mật thiết mà cuộc sống của họ bị thay đổi mãi mãi bởi dịch vụ quân đội của họ ở Việt Nam. Trò chơi 'nút thắt' tâm trí của nó được nhà phê bình tài năng Roger Ebert hiểu là một 'biểu tượng tổ chức' về bạo lực ngẫu nhiên mà 'làm cho bất kỳ tuyên bố về chiến tranh nào cũng trở nên vô nghĩa.'
17. The Sting (1973)
Vài năm sau khi hợp tác với cả Robert Redford và Paul Newman trong Butch Cassidy và Sundance Kid, đạo diễn George Roy Hill hợp tác lại với hai diễn viên nổi tiếng trên một bộ phim khác đầy ấn tượng, The Sting. Bộ phim trộm cắp tuyệt vời này, đồng thời lấy cảm hứng từ kỷ niệm của Thời kỳ Đại suy thoái, kể về hai kẻ lừa đảo hợp sức để lừa gạt một ông trùm băng đảng. Những kế hoạch phức tạp không tưởng của nhân vật được khen ngợi bởi những bộ quần áo tinh tế của họ, một bản nhạc ragtime dễ chịu và một thiết kế thẩm mỹ tổng thể nổi bật mà cố ý gợi nhớ cảm giác của việc lật qua các bản sao bụi của The Saturday Evening Post. Với Redford và Newman làm việc hết công suất, The Sting dễ dàng khiến bạn trở thành kẻ ngốc.
16. Carrie (1976)
Chiến dịch chống bắt nạt cuối cùng từng được tưởng tưởng chắc chắn phải là Carrie, tác phẩm kinh dị kinh điển của Brian De Palma. Dựa trên cuốn tiểu thuyết ra mắt cũng mạnh mẽ của Stephen King, Carrie nổi tiếng với việc kể về một thiếu niên nhút nhát, bị bắt nạt (do Sissy Spacek thủ vai) phát triển sức mạnh siêu nhiên và sử dụng nó để trả thù toàn bộ trường học của mình. Trong khi cảnh máu lợn trút chậm tới vô số lần đã bị chế giễu đến vô tận, Carrie vẫn gây ám ảnh với cách mô phỏng cơn ác mộng về trường trung học và cách, đối với nhiều người không may, nó gây ra đủ tổn thương sâu.
15. Network (1976)
Đối với những người đã cảm thấy tức giận đến phát điên và không thể chịu đựng được nữa, có Network. Một tác phẩm phê phán xã hội quan trọng về tính bền vững trong việc tạo ra cảm giác kỳ dị không ngừng của phương tiện truyền thông, bộ phim hài đen tối của Sidney Lumet kể về một đài truyền hình trên bờ vực sụp đổ cho đến khi nhà báo tôn trọng của nó, Howard Beale (do Peter Finch thủ vai) đe dọa tự sát trên truyền hình trực tiếp. Với sự điên rồ của mình tăng lên theo tỷ lệ tăng rating, Network khám phá sự cứng nhắc của khẩu vị trước một đám thông tin độc hại. Network đã ra mắt trước thời đại của tin tức truyền hình cáp và phương tiện truyền thông xã hội, nhưng ngay cả sau tất cả những năm tháng, nó vẫn không bao giờ mất đi điểm mấu chốt của mình.
14. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)
Jack Nicholson và Louise Fletcher đóng vai chính trong bộ phim One Flew Over the Cuckoo’s Nest của Miloš Forman, một bộ phim tối tăm được đặt trong một viện tâm thần ở Oregan, nơi một bệnh nhân (Nicholson) phải chịu sự tàn ác của y tá chuyên quyền Nurse Ratched (Fletcher) và dẫn đầu một cuộc nổi dậy của các bệnh nhân đồng loại chống lại cô ta. Dựa trên tiểu thuyết năm 1962 của Ken Kesey, bộ phim tồn tại như một biểu tượng phản đối sự tuân thủ được tôn vinh; trong khi Roger Ebert chỉ ra trong một bài đánh giá tích cực vào năm 2003 rằng nó quá đơn giản hóa các giải pháp cho các căn bệnh tâm thần, điều đó không phải là điểm 'vì nó không quan tâm đến việc nói về sự điên rồ,' Ebert viết. “Nó nói về một tinh thần tự do trong một hệ thống đóng cửa.”
Thú vị để lưu ý: Bộ phim được quay tại Bệnh viện Nhà nước Oregon, một bệnh viện tâm thần hoạt động hợp pháp. Để cho phép các nhà làm phim sử dụng địa điểm và các diễn viên bóng theo dõi bệnh nhân thực sự để nghiên cứu, bệnh nhân viện phải trở thành một phần của đoàn làm phim. Trong một bài viết năm 2017 cho The Guardian, diễn viên Michael Douglas, người sản xuất bộ phim, nhận xét: “Chúng tôi đã có một số bệnh nhân làm việc trong các bộ phận khác nhau. Tôi không nhận ra cho đến sau này rằng nhiều người trong số họ là tâm thần phạm tội. Chúng tôi có một kẻ phóng hỏa làm việc trong bộ phận nghệ thuật.”
13. Solaris (1972)
Hãy tưởng tượng bạn ghét một bộ phim khác đến mức bạn tự làm một bộ phim của riêng bạn chỉ để đối đầu với họ. Đó là cách mà nhà làm phim Nga Andrei Tarkovsky tiếp cận bộ phim khoa học viễn tưởng của mình Solaris (dựa trên tiểu thuyết năm 1961 của Stanislaw Lem) như một lời bác bỏ với 2001: A Space Odyssey của Stanley Kubrick. Đặt trên một trạm không gian xoay quanh hành tinh hư cấu Solaris, một nhà tâm lý học (do Donatas Banionis đóng) được phái đi trong một nhiệm vụ để phân tích tâm lý các thành viên trong phi hành đoàn, người đã báo cáo rơi vào cuộc khủng hoảng cảm xúc. Khác biệt so với bộ phim của Kubrick, Solaris của Tarkovsky không được đặc trưng bởi thiết kế hoàn hảo, mà là những mặt hàng cũ kỹ và xuống cấp thể hiện một trải nghiệm con người chân thực hơn. Tarkovsky đã chỉ dẫn giám đốc nghệ thuật của mình: “Hãy làm cho trạm không gian của chúng ta trông giống như một chiếc xe buýt cũ đổ nát và không giống như một thiên đường không gian tương lai.”
12. Dirty Harry (1971)
Với việc giải thể Mã Hays vào năm 1968, Clint Eastwood trỗi dậy, súng .357 Magnum trong tay, với Dirty Harry vào năm 1971. Được đạo diễn bởi Don Siegel, bộ phim có sự tham gia của Eastwood trong vai cảnh sát tham nhũng ở San Francisco “Dirty” Harry Callahan, có lẽ là nhân vật phản anh hùng xác định của điện ảnh qua quyết tâm kiên định của anh ta trong việc tuân thủ luật pháp mà mỉa mai lại thường dẫn anh ta đến việc uốn nắn luật pháp. Trong khi Dirty Harry đã tạo ra một thương hiệu, bộ phim đầu tiên là một tác phẩm vĩ đại mà Hollywood cuối cùng, thực sự bạo dạn trong việc bạo lực trên màn ảnh, điều đó được Harry biện hộ bằng sự công bằng sai lầm của mình. Mô phỏng tinh thần của một thập kỷ không đạo đức nhất là câu hỏi tu từ của Eastwood, “Cậu cảm thấy may mắn không, kẻ đáng sợ?”
11. Rocky (1976)
Sau nhiều năm vật lộn để thành công trong vai trò diễn viên, Sylvester Stallone gần như từ bỏ sự nghiệp diễn xuất cho đến khi anh chậm rãi có được công việc làm diễn viên quần chúng trên truyền hình. Sau đó, anh bước vào sàn đấu với Rocky, và từ đó anh không bao giờ là như trước nữa. Trong bộ phim thể thao cảm động của John G. Avildsen, Stallone đóng vai võ sĩ quyết tâm và thu nợ Rocky Balboa được một cơ hội lớn khi vô địch hạng nặng Apollo Creed (Carl Weathers) chọn Rocky để đấu trong một trận trình diễn chuyên nghiệp. Một bộ phim thể thao về thằng nhóc người vô danh đầy cảm xúc đã truyền cảm hứng cho vô số bộ phim tương tự, Rocky vẫn là một trong những bộ phim thể thao xuất sắc nhất mọi thời đại. Dĩ nhiên, nó đã tạo ra một thương hiệu, với Rocky III đưa ra thế giới “Eye of the Tiger.”
10. A Clockwork Orange (1971)
Bộ phim kinh dị hư cấu của Stanley Kubrick, một bản chuyển thể từ tiểu thuyết năm 1962 của Anthony Burgess, đơn giản là một trong những bộ phim gây rùng rợn nhất mọi thời đại. Tập trung vào cuộc hành quân của một lãnh đạo băng đảng tuổi teen huyền bí (do Malcolm McDowell đóng), bộ phim dày đặc về chủ đề của Kubrick mô tả các biên cương cực đoan của tội phạm vị thành niên, sự suy thoái của sự đồng thuận xã hội và sự bất lực của quyền lực. Bạo lực kinh hoàng trên màn ảnh phục vụ một mục đích, nhưng suốt thời gian dài đã có những người không hiểu được điểm của bộ phim và bộ phim đã gây ra các vụ án giả mạo thực tế gây tranh cãi. Mặc dù đã bị rút khỏi các rạp chiếu phim theo yêu cầu của Kubrick, A Clockwork Orange vẫn tồn tại như một kiệt tác đưa ra nhiều ý tưởng của mình qua các lối mòn hẹp của một mê cung.
9. Chinatown (1974)
Bạn có thể xác định Chinatown của Roman Polanski qua dòng cuối cùng của nó: “Quên nó đi, Jake. Đó là Chinatown.” Cốt truyện của nó trở nên đơn giản một cách mơ hồ: Đặt trong năm 1937, một người phụ nữ (Faye Dunaway) thuê một thám tử tư, Jake Gittes (Jack Nicholson) để theo dõi chồng mình với nghi ngờ về sự phi trung thành. Những gì thực sự xảy ra là một cuộc khai quật đa tầng vào sâu thẳm của con người có thể làm những điều đen tối, với bộ phim sử dụng các tiêu chuẩn phim noir và bí ẩn để thực sự hoạt động như một vở kịch tâm lý. Chinatown không chỉ là một địa điểm trong bộ phim mà còn là một phép so sánh cho sự hỗn loạn, ác độc và vô ích, nơi điều tốt nhất và đạo đức nhất mà một người có thể làm là không làm gì cả.
8. Apocalypse Now (1979)
Francis Ford Coppola gần như mất trí với việc làm Apocalypse Now. Căng thẳng vì nhiều vấn đề trên phim trường, bao gồm một ngân sách phồn thịnh, một lịch trình quay phim kéo dài xa hơn so với năm tháng dự kiến ban đầu, cơn bão tàn phá tại Philippines và Charlie Sheen phải trải qua một cơn đau tim, Coppola tự thú trong một cuộc phỏng vấn vào năm 1991: “Từng chút một, chúng tôi điên lên.' Khó có thể nói mà không phải là Coppola nếu nỗi đau đó đáng giá, nhưng hàng thập kỷ sau khi ra mắt vào năm 1979, Apocalypse Now được coi là một kiệt tác kinh điển và một viên ngọc quý của trường phái New Hollywood. Một cuộc lao đầu vào chiến tranh Việt Nam, bộ phim kể về một đại úy quân đội (Sheen) được giao một nhiệm vụ bí mật là ám sát một đại tá nổi loạn (Marlon Brando) được các binh sĩ và dân địa phương tôn thờ như một vị thần. Tuyệt vời và táo bạo, Apocalypse Now có lẽ là bộ phim chiến tranh Việt Nam định nghĩa nhưng vẫn gợi nhớ đến bất cứ ai đã từng trải qua địa ngục và trở lại.
7. The Exorcist (1973)
Đó là một bộ phim khiến khán giả sợ hãi đến mức từng tin đồn truyền miệng lan rộng như lửa, khiến nó có lẽ là bộ phim hit đầu tiên trở nên lan truyền như một cơn sốt. Do đạo diễn William Friedkin chỉ đạo, bản chuyển thể từ tiểu thuyết của William Peter Blatty (người cũng viết kịch bản) kể về một linh mục (Jason Miller), đang trải qua một cuộc khủng hoảng về đức tin, được nhà thờ giao phó điều tra sự ám sát của một cô gái trẻ (Linda Blair) bị quỷ ám. Một tác phẩm đột phá về doanh thu, The Exorcist không chỉ làm cho thể loại kinh dị trở nên phổ biến hơn mà còn làm cho nó trở nên đáng kính trọng, chứng minh rằng nó có thể làm được nhiều hơn là trang điểm và quái vật. Trong trường hợp này, là một bộ phim đáng sợ về ý nghĩa của việc đối mặt với những điều ác của nghi ngờ vào bản thân. Một số thông tin thú vị cho bạn: Bộ phim được lên lịch một cách hài hước cho ngày phát hành sau ngày lễ Giáng Sinh, ngày 26 tháng 12. Trong khi Friedkin muốn một ngày khác, nhà sử học phim Sarah Crowther lý giải rằng ngày này được chọn một cách có chủ ý để kích thích một chút tranh cãi.
6. All the President’s Men (1976)
Một điều gì đó đã xảy ra vào ngày 17 tháng 6 năm 1972 tại trụ sở của Ủy Ban Quốc Dân Dân Chủ tại Washington D.C. Điều đó chính là vụ bê bối Watergate, trở thành một cuốn sách của các nhà báo của Washington Post Carl Bernstein và Bob Woodward. Bốn năm sau, cuộc điều tra của Bernstein và Woodward trở thành một trong những bộ phim định hình nhất của thập kỷ: All the President’s Men, do Alan J. Pakula đạo diễn. Một bức tranh tôn vinh sự khéo léo và các nguyên tắc đạo đức dưới sự cai trị tàn bạo của đạo luật, All the President’s Men là cuốn sách cuốn hút chính xác vì cái nhìn không hào nhoáng vào sự kiên trì kiên quyết của báo chí tay mơ. Đó là một nghề nghiệp đầy những cánh cửa đóng kín, cuộc gọi điện bị bỏ qua và cuộc trò chuyện ẩn danh bí ẩn. Tuy vậy, bộ phim của Pakula không bao giờ ngừng làm cho người ta thích thú khi hai người tìm kiếm sự thật khi không ai khác có khả năng làm công việc đó.
5. Kẻ Ngoài Hành Tinh (1979)
Bộ phim kinh dị khoa học viễn tưởng của Ridley Scott không chỉ tạo ra một thương hiệu bền vững và biến Sigourney Weaver và John Hurt thành sao, mà còn định hình ngôn ngữ và thẩm mỹ cho tất cả các thể loại kết hợp tương lai. Đặt trong tương lai xa khi du lịch vũ trụ trở nên phổ biến, bảy thủy thủ đoàn của tàu kéo thương mại Nostromo bị đánh thức sớm từ sự đông cứng bằng một cuộc gọi cứu trợ. Khi đoàn phiêu lưu trở lại sau cuộc điều tra của họ về một chiếc tàu ngoài hành tinh bị bỏ rơi, họ không biết rằng họ đã mang về một sinh vật ngoài hành tinh, người nhanh chóng phát triển thành một mối đe dọa phun acid đe dọa tất cả họ. Với câu khẩu hiệu kinh điển “Trên không gian, không ai có thể nghe thấy bạn hét lên,” Kẻ Ngoài Hành Tinh đã đưa ra một diện mạo mới, đáng sợ cho hai thể loại có tiếng trong một đòn bẩy.
4. Tài Xế Taxi (1976)
Taxi Driver, được đạo diễn Martin Scorsese dự định để cảm giác như một giấc mơ, thực sự giống như một ảo giác do cơn sốt gây ra khi là một bộ phim tâm lý ly kỳ về nhiệm vụ của một người đàn ông bị rối loạn để làm sạch một New York City tham nhũng một mình. Với sự tham gia của Robert De Niro trong vai Travis Bickle, một cựu binh chiến tranh Việt Nam bị tổn thương và tài xế taxi về đêm, Tài Xế Taxi giống như nhìn vào tâm trí của một người đàn ông không an tâm, người lấp đầy những điểm yếu của mình bằng cách nam tính cực độ và ảo tưởng về sự vĩ đại. Thập kỷ sau khi ra mắt vào năm 1976, bộ phim gây tranh cãi của Scorsese - đã truyền cảm hứng cho ít nhất một vụ ám sát tổng thống - vẫn còn đáng lo ngại.
3. Bố Già (1972)
Francis Ford Coppola có thể đã dừng lại ở Bố Già, và ông vẫn là một nghệ sĩ điện ảnh được tôn kính. Dựa trên cuốn sách bán chạy nhất của Mario Puzo năm 1969 về một triều đại mafia Ý hư cấu, bức tranh bất tử của Coppola có sự tham gia của Al Pacino và Marlon Brando (cùng với James Cann, Robert Duvall, và Diane Keaton) trong vai các ông trùm của gia đình tội phạm Corleone. Đặt trong khoảng thời gian từ năm 1945 đến năm 1955, epic rộng lớn của Coppola cho thấy Michael Corleone (Pacino) phát triển từ đứa con trai trẻ nhất ngần ngại thậm chí còn không muốn nghĩ đến công việc của gia đình mình thành công với vai trò của cha mình. Là một kiệt tác Mỹ đích thực, Bố Già thực sự là một trong những bộ phim vĩ đại nhất mọi thời đại trong việc nghiên cứu sâu sắc về động lực gia đình trong khi ghi lại thế giới không khí của mafia Ý ở Mỹ sau chiến tranh.
2. Chiến Tranh Giữa Các Vì Sao (1977)
Nó tạo ra một trong những thương hiệu truyền thông lợi nhuận và được nhận biết nhất trên thế giới. Nhưng ngay cả khi nó không làm điều đó, bộ phim Star Wars của George Lucas năm 1977 (sau này đổi tên thành Star Wars: Tập IV - Hy Vọng Mới) là một thành tựu nghệ thuật của trí tưởng tượng thuần túy. Bắt nguồn từ sự không thể của chính Lucas trong việc làm một bộ phim Flash Gordon, Star Wars trên hết là một câu chuyện kinh điển về sự tốt và sự xấu, nơi những người chiến thắng kém cỏi được trang bị những ý tưởng tiến bộ vẫn có thể giành chiến thắng trước lực lượng vượt trội. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness, và giọng nói mạnh mẽ của James Earl Jones tham gia vào cuộc phiêu lưu trốn tránh tuyệt vời nhất từ một vùng xa xôi, xa xăm.
1. Răng Cưa (1975)
Chỉ vì là mùa hè không có nghĩa là bạn không nên sợ bóng tối của vực sâu dưới chân bạn. Trong bộ phim kinh dị quái vật định mệnh của Steven Spielberg, Jaws, một thị trấn biển đẹp mắt bị một con cá mập trắng khổng lồ đói bụng đe dọa, gây ra nhiều vụ giết người như một tên sát nhân hàng loạt tính toán. Là một trong những siêu phẩm đầu tiên thực sự của Hollywood, Spielberg đã thông minh vượt qua các vấn đề kỹ thuật với con cá mập để tạo ra một bầu không khí của sợ hãi không dừng lại, không thể dự đoán; thật sự không có gì đáng sợ hơn khi bạn không biết con quái vật ở đâu vào bất kỳ thời điểm nào. Trong khi có nhiều bộ phim khác của thập kỷ 1970 đáng được công nhận như một số trong số những bộ phim hay nhất mọi thời đại, chỉ có một bộ phim xứng đáng đòi hỏi một chiếc thuyền lớn hơn.
