32 bộ phim hay nhất của thập niên 60

Bất kể bạn nghĩ rằng thập kỷ 1960 như thế nào hoặc trông như thế nào, hãy suy nghĩ lại. Thập kỷ đầy rẫy biến động này có nhiều mặt khác nhau, bao gồm cả phim ảnh. Nhưng những bộ phim nào của thập niên 1960 thực sự là hay nhất?

Trong một thập kỷ được đặc trưng bởi những chuẩn mực xã hội thay đổi, không chỉ là phong trào dân quyền và tình hình chính trị phức tạp của Việt Nam, các bộ phim của thập niên 1960 cũng phản ánh một cộng đồng toàn cầu đang chịu biến động. Các bộ phim nhập khẩu tiên tiến từ Nhật Bản, Ý, Pháp và nơi khác đã thu hút sự chú ý khỏi các phong cách Mỹ truyền thống. Trong khi đó, các nhà làm phim nhìn thấy nghệ thuật của họ bị thách thức bởi một lựa chọn giải trí mới, rẻ tiền hơn: truyền hình. Thay vì cung cấp một cấp độ biểu diễn cao hơn mà ngân sách nhỏ bé của TV không thể so sánh được, các bộ phim của thập kỷ này cố gắng thách thức khán giả với những câu chuyện phản cấp động hơn, vẽ lại ranh giới của sự chấp nhận. 

Giống như những năm 1950 trước đó, những năm 1960 đã dự đoán những sự không rõ ràng về đạo đức của tương lai gần. Khi Hays Code giáo hội mất sự kiểm soát của mình, sự bùng nổ đột ngột của New Hollywood - đã được dự đoán trước bởi French New Wave - đã mang lại cho các nhà làm phim sự tác giả sáng tạo hơn, cho phép họ phản ánh trong các bộ phim của mình một văn hóa đối trọng sành điệu lan rộng ở khắp nơi từ thành phố đến cộng đồng và các khuôn viên đại học. 

Với quá nhiều bộ phim kinh điển để kể, dưới đây là chỉ có 32 trong số những bộ phim hay nhất của thập niên 1960.

32. Người Dơi (1966)

Đạo diễn Leslie H. Martinson) hiện nay đại diện cho nghệ thuật trại trong toàn vẹn của nó. Với Adam West đóng vai chính, Người Dơi chiến đấu chống lại những tên ác nhân độc ác nhất của Gotham City đã hợp lực thành Liên minh Hắc Ám. Mặc dù nó hoàn toàn không phải là bộ phim siêu anh hùng hay nhất từng được làm, nhưng việc tóm tắt loạt phim truyền hình nổi tiếng - tất cả đều được phóng to trên màn ảnh lớn - khiến Batman trở thành một trong những bộ phim thương mại sặc sỡ, kỳ quặc và thực sự, vui nhộn nhất trong một thập kỷ khó khăn. Thực sự có những ngày bạn không thể loại bỏ một quả bom.

31. Barbarella (1968)

Một bộ phim tôn giáo của mức độ cao nhất, Jane Fonda đóng vai chính trong một viên ngọc khoa học B cấp mà cuốn hút của nó chính là sự thật rằng, tốt đẹp, nó có Jane Fonda đẹp đẽ ở không gian. (Và Barbarella thực sự thú vị vì sự nhiệt tình của Fonda với mọi thứ.) Dựa trên loạt truyện tranh Pháp, bộ phim theo đuổi câu chuyện về Barbarella (Fonda), một nhà du hành không gian được gửi để tìm một nhà khoa học có một loại vũ khí có khả năng tiêu diệt loài người. Sau khi các ngôi sao như Brigitte Bardot và Sophia Loren từ chối vai, Fonda do dự về tính chất tình dục của nó; vào thời điểm đó, Fonda đang ở trung tâm của hai vụ bê bối lộ hàng về phim Circle of Love và The Game Is Over. Nhưng Fonda đã mua khi cô được đạo diễn Roger Vadim nói rằng khoa học viễn tưởng sẽ sớm trở thành một thể loại uy tín. Với Star Wars còn cách xa chín năm, Vadim đã chính xác, ngay cả khi Barbarella không phải là một thương hiệu lớn ngày nay.

30. Những Chiếc Ô Của Cherbourg (1964)

Trong bộ phim ca nhạc lãng mạn không thể quên của Jacques Demy, một cặp đôi trẻ người Pháp hân hoan bắt đầu hạnh phúc mãi mãi cho đến khi họ bị chia lìa bởi Chiến tranh Algerian. Khi họ tái hợp không thể tránh khỏi, những nhiệt độ lạnh lẽo đã phơi bày một đam mê từng nóng bỏng giờ đã nguội lạnh. Catherine Deneuve và Nino Castelnuovo đóng vai chính là một cặp đôi lên màn ảnh quyến rũ đại diện cho niềm phấn khích phổ biến của việc trẻ trung và yêu, thảm kịch của việc tìm thấy tình yêu quá sớm, và sự chấp nhận đắng cay rằng cuộc sống không phải lúc nào cũng diễn ra theo kế hoạch của bạn. Trong những bộ phim tạo nên ba tập của Demy về tình yêu lãng mạn - bao gồm Lola (1961) và The Young Girls of Rochefort (1967) - Những Chiếc Ô Của Cherbourg đứng vững nhất như một bộ phim đúng nghĩa nhất với tình yêu ngọt ngào và ngắn ngủi của tuổi trẻ. 

29. Onibaba (1964)

Đó là một bộ phim đáng sợ đến nỗi thậm chí cả William Friedkin, đạo diễn của The Exorcist cũng sợ hãi. Một câu chuyện lại của một ngụ ngôn Phật giáo liên quan đến một chiếc mặt nạ bị nguyền rủa và trừng phạt những người đeo nó, Onibaba theo dõi hai phụ nữ lôi kéo những người samurai lang thang để giết họ và bán vũ khí của họ để kiếm tiền. Khi một người đàn ông xen vào họ, những cảm xúc cổ xưa như ghen tị và giận dữ xoáy như những cơn gió của một cơn bão tăm tối. Một bức tranh ma quái với năng lượng siêu phàm, biểu tượng tượng trưng phức tạp này về những tổn thương còn sót lại của Nhật Bản từ bom nguyên tử trở nên ý nghĩa hơn khi bạn biết rằng nhà văn/đạo diễn Kaneto Shindō đến từ Hiroshima. Onibaba là một trong nhiều bức tranh của Shindō đối mặt với những kinh hoàng của phá hủy hạt nhân và hiện thực cá nhân của mình khi nhìn thấy ngôi nhà của mình bị phá hủy và những người sống sót phải mang theo những vết thương không thể xóa sạch. 

28. Easy Rider (1969)

Con sóng Mỹ mới bắt đầu ồ ạt với Easy Rider, một bộ phim miền Tây hiện đại nếu có thể nói như vậy. Đạo diễn bởi Dennis Hopper và viết bởi Hopper cùng với Peter Fonda và Terry Southern, Easy Rider theo dõi hai tay đua mô tô (do Hopper và Fonda đóng) đi từ Miền Nam Hoa Kỳ và mạo hiểm về phía Tây với tiền kiếm được từ một giao dịch cồn lợi với cocaine. Một kiệt tác của văn hóa đối lập, Easy Rider đã hình thành từng từ vựng của chúng ta về con đường mở cửa là biên giới cuối cùng cho cuộc phiêu lưu, và là nơi duy nhất còn lại trên Trái Đất để tìm thấy một ý nghĩa về bản thân và tự do. 

27. Căn Hộ (1960)

Chỉ khi nào những bức tường có thể nói. Trong bộ phim hài lãng mạn năm 1960 của Billy Wilder, The Apartment, Jack Lemmon đóng vai một nhân viên bảo hiểm tham vọng người, trong hy vọng thăng tiến trong nơi làm việc của mình, cho phép các đồng nghiệp cấp trên của mình sử dụng căn hộ ở phía Tây Bắc của anh ta để có các mối quan hệ ngoại tình. Mọi thứ trở nên phức tạp khi Bud của Lemmon phải lòng Fran (Shirley MacLaine), người đang có mối quan hệ ngoại tình với sếp của Bud. Dựa theo bộ phim ngắn Brief Encounter năm 1945 của Anh và một scandal thực sự ở Hollywood liên quan đến một mối quan hệ ngoại tình của một nhà sản xuất đã xảy ra tại căn hộ của nhân viên của họ, The Apartment là một bộ phim hài vui nhộn về việc không bao giờ quá gần với hành động.

26. Giết Con Én (1962)

Tiểu thuyết quan trọng của Harper Lee từ năm 1960, về một luật sư nguyên tắc bảo vệ một người đàn ông da đen vô tội bị buộc tội tấn công tình dục, đã được đạo diễn Robert Mulligan kỹ lưỡng chuyển thể thành bộ phim hai năm sau. Với Gregory Peck đóng vai Atticus Finch và Mary Badham đóng vai con gái nhỏ Scout của ông - người quan điểm cung cấp điểm nhìn chính cho câu chuyện - bản chuyển thể của Mulligan đã được khen ngợi như một tác phẩm kinh điển của Mỹ, là một nghiên cứu ấm áp và xúc động về việc lớn lên trong một môi trường đầy định kiến. Thông qua bài diễn thuyết bảo vệ không thể quên của Finch (với máy ảnh của Mulligan sáng suốt nhìn từ góc độ của ban giám khảo), Giết Con Én đã truyền đạt cho các thế hệ chưa biết bao giờ một sự hướng dẫn về việc đứng lên vì điều đúng, ngay cả khi công lý khan hiếm.

25. Đêm Của Đàn Xác Sống (1968)

Trước The Walking Dead, có Night of the Living Dead của George Romero, không chỉ giới thiệu zombie vào từ vựng văn hóa pop Mỹ mà còn có thể nói là đã làm thể loại này tốt nhất. Đặt trong vùng nông thôn Pennsylvania, bảy người sống sót lẩn trốn trong một căn nhà nông thôn khi đám xác chết ăn thịt bất ngờ sống dậy ở mọi nơi. Night of the Living Dead không chỉ viết kịch bản cho tất cả các câu chuyện kinh dị zombie, mà việc chọn diễn viên da đen Duane Jones (vai chính Ben) còn là một cách cách mạng và có ý nghĩa chính trị, mãi mãi biến zombie thành một biểu tượng động và linh hoạt cho những gì con người coi là quái vật trong cái kết đau lòng của nó. 

24. Hành Tinh Khỉ (1968)

Dựa loosethêo tiểu thuyết năm 1963 của Pierre Boulle, bản điện ảnh của Franklin J. Schaffner, Hành Tinh Khỉ, có sự tham gia của Charlton Heston đóng vai một phi hành gia đáp xuống một hành tinh lạ nơi loài người là nguyên thủy, và các con khỉ nói chuyện đã giành lấy ưu thế là loài thông minh nhất. Mặc dù Hành Tinh Khỉ đã tạo ra một dòng phim nối tiếp, nhưng bản gốc của Schaffner là một tác phẩm khoa học viễn tưởng vĩ đại mà không chỉ kỹ thuật mà còn nghĩa tinh thần đầy báo hiệu. Tất cả những năm qua, Hành Tinh Khỉ vẫn là một cảnh báo mạnh mẽ về sự kiêu ngạo của loài người đối với vị trí của mình trong chuỗi thức ăn.

23. Người Ứng Cử Miền Mông (1962)

Dựa trên tiểu thuyết của Richard Condon, bộ phim ly kỳ tâm lý tối tăm này của John Frankenheimer là một trong những bức tranh định nghĩa về Chiến tranh Lạnh tận dụng sự lo âu phổ biến của thời đại về kẻ thù lớn từ bên trong. Phim ra mắt chỉ một năm trước khi JFK bị ám sát, bộ phim theo dõi một cựu chiến binh Chiến tranh Triều Tiên, Raymond Shaw (Laurence Harvey), người bị tâm thần bí mật bởi Cộng sản và được gửi về Mỹ để ám sát một ứng cử viên tổng thống. Cũng có sự tham gia của Frank Sinatra, Janet Leigh và Angela Lansbury, bộ phim ly kỳ điệp viên hình thành này đã thiết lập tiêu chuẩn vĩ đại cho tất cả các bộ phim ly kỳ điệp viên sau này. Các đổi mới trong thể loại vẫn còn được nhìn thấy trong các bộ phim hiện đại tương tự, từ The Bourne Identity đến Captain America: The Winter Soldier. Một bản làm lại hiện đại mạnh mẽ không kém được ra mắt vào năm 2004, với sự tham gia của Denzel Washington, Liev Schrieber và Meryl Streep trong vai chính.

22. Chân Trần Trên Công Viên (1967)

Jane Fonda và Robert Redford chưa bao giờ hài hước và nóng bỏng như trong vai một cặp vợ chồng mới cưới phải đối mặt với sự hài hước của thực tế. Sau khi chuyển vào một căn hộ ở Manhattan với năm tầng, Corie tự do (một Jane Fonda phấn khích) và Paul (Redford, với thời gian hài hước sắc sảo) học được ý nghĩa thực sự của việc giữ và nắm giữ khi những tháng đầu tiên của họ không giống như bất kỳ người nào trong số họ tưởng tượng. Mặc dù cốt truyện nhẹ nhàng như một chiếc lông vịt, bộ phim - dựa trên vở kịch của Neil Simon và được đạo diễn bởi Gene Saks - vẫn tồn tại nhờ vào sự quyến rũ rực rỡ của dàn diễn viên điển trai của nó.

21. Mary Poppins (1964)

Một trong những bộ phim thành công nhất của Disney xuất hiện trong những năm 1960, với Julie Andrews và Dick Van Dyke nhảy múa và hát về các phẩm chất của việc sống một cuộc sống gia đình tích cực hơn. Ở London vào thời kỳ Edwardian, một phụ nữ kỳ diệu bay từ bầu trời để trả lời cuộc gọi của các em nhỏ nhà Banks về “Người Giữ Trẻ Hoàn Hảo.” Đó là Mary Poppins (Andrews), một thực thể vô cùng bí ẩn vừa nhẹ nhàng vừa mạnh mẽ, và chính là một muỗng đường cần cho gia đình Banks để trở lại hoàn chỉnh. Kỹ thuật đầy ấn tượng và tinh thần lành mạnh, Mary Poppins đứng là một trong những bộ phim hành động trực tiếp điển hình và thành công nhất của Disney, và với lý do tốt. Còn gì để nói ngoài từ “Supercalifragilisticexpialidocious!”

20. Tokyo Drifter (1966)

Seijun Suzuki tạo ra một tác phẩm tưởng nhớ đến những bộ phim về sát thủ miền Tây một cách không thể tin được của mình trong bộ phim về xã hội đen cực kỳ phong cách Tokyo Drifter, về một kẻ giết người thuộc nhóm bịa đặt tên Tetsu (Tesuya Watari) bị kẹt giữa các băng đảng đối địch cố gắng hợp nhất quyền lực. Suzuki, nổi tiếng với phong cách hình ảnh kỳ lạ của mình, đã bị buộc phải giảm bớt cảm nhận trên màn ảnh của mình bởi hãng phim đầu tiên; hãng phim đã đưa cho ông một ngân sách nhỏ để đảm bảo Suzuki tuân thủ theo quy tắc của họ. Để đáp trả, Suzuki đã tìm nguồn cảm hứng từ các bộ phim nhạc kịch thập niên 1950, hài hước bất hợp lý và trào lưu nghệ thuật pop mới nổi để tạo ra bức tranh kỳ lạ nhất của mình đến thời điểm đó. Triết lý của cuộc nổi dậy như tuyên bố này thấm qua các lỗ chân lông của Tokyo Drifter, sự hạn chế tối đa của nó được chứa trong các khung hình tạo ra một trải nghiệm mà bạn không thể quên cảm giác dù bạn không thể hiểu được điều gì đang xảy ra.

19. Butch Cassidy và Sundance Kid (1969)

Bộ phim cổ điển của miền Tây của Georgy Roy Hill, được viết bởi William Goldman, cộng tác với Paul Newman và Robert Redford trong vai những tên tội phạm lạnh lùng nhất, không thể chạm đến của điện ảnh trong cuộc chạy trốn tuyệt vọng của họ đến Bolivia. Họ có sống sót không? Câu trả lời cho điều đó ít thú vị hơn chính cuộc hành trình giàu có, hấp dẫn mà Butch Cassidy (Newman) và Harry Longabaugh, hay còn được gọi là “Sundance Kid” (Redford) bắt đầu trong suốt bộ phim, là những đồng minh tội phạm mà mối quan hệ chặt chẽ của họ khiến họ trở thành các vị thánh bảo hộ của sự đoàn kết và tình anh em. Mặc dù không được yêu thích khi phát hành, Butch Cassidy và Sundance Kid đã giành được lòng tôn kính như một bộ phim chứng minh rằng phần thưởng lớn nhất không phải là những tài sản bạn trốn chạy, mà là những trải nghiệm bạn có thể thu thập với những người quan trọng nhất.

18. Một Ngày Khó Khăn (1964)

Tất cả các video âm nhạc, phim tài liệu về ngôi sao rock, phim hòa nhạc và các video ngắn trên TikTok đều nợ một món nợ cho A Hard Day’s Night. Một mắt kính của hài hước và âm nhạc, bộ phim của Richard Lester, đầy những cắt ghép nhanh chóng và hỗn loạn, ghi lại The Beatles ở đỉnh cao của Beatlemania. Nhưng thay vì là một bộ phim tài liệu tự thưởng thức, tự cho là quan trọng về drama và mệt mỏi do nổi tiếng, A Hard Day’s Night thấy nhóm nhạc rock Liverpool gây ra sự hỗn loạn ở mọi nơi họ đi - mà không có câu chuyện thực sự nào trong tầm mắt. Từ việc trêu chọc phỏng vấn viên bằng những tiết mục giống như Marx Brothers đến việc thoát khỏi những fan hò hét di chuyển như bầy ong, A Hard Day’s Night ít giống như Taylor Swift: Tour Các Thời Đại và hơn là French New Wave trong sự tinh quái và sáng tạo tự do của nó.

17. Những Chú Chim (1963)

Sau Alfred Hitchcock, chúng ta không bao giờ nhìn vào đàn chim cùng một cách nữa. Trong bộ phim kinh dị nổi tiếng năm 1963 này, dựa trên một câu chuyện ngắn năm 1952 của Daphne du Maurier và được lấy cảm hứng từ một cuộc tấn công của đàn chim kỳ lạ ở thị trấn Capitola, California hai năm trước, các loài chim hung hãn làm kinh hoàng cư dân của một thị trấn buồn ngủ. Trong khi những con quạ và bồ câu giết người có vẻ lạc hậu trên giấy, một bậc thầy điện ảnh như Hitchcock mang lại một tác phẩm kinh dị cổ điển mà trong đó tự nhiên vẫn giữ sự thống trị dù tiến bộ khoa học của loài người. Giữa việc sử dụng âm nhạc một cách tài tình và sự khéo léo trong công nghệ hiệu ứng đặc biệt, The Birds sẽ không bao giờ ngừng cất cánh - và khiến chúng ta chạy trốn.

16. Tốt Nghiệp Sinh (1967)

Bộ phim lãng mạn của Mike Nichols, một bộ phim độc lập nổi tiếng sớm, đã thuần thục bắt lấy tinh thần bất ổn của tuổi trẻ thập niên 60 trong câu chuyện về một tân cử nhân (Dustin Hoffman) bắt đầu một mối quan hệ với một phụ nữ lớn tuổi hơn (Anne Bancroft) trong khi đang yêu con gái của cô (Katharine Ross). Để hoàn thành kết thúc khó quên của nó, trong đó hai người tình từ từ nhận ra sức nặng đè nặng của hành động của họ, là một cú đánh vào trí tuệ của Nichols. Bằng cách đơn giản là không chỉ dẫn diễn viên của mình điều gì tiếp theo sau khi họ lên xe buýt, sự mệt mỏi vật lý của họ phản ánh sự không chắc chắn tinh thần. Khi cả Hoffman và Ross ngừng cười qua một cảnh quay kéo dài khó hiểu, biểu hiện mệt mỏi của họ tiết lộ sự không chắc chắn của nhân vật nếu tình yêu đủ mạnh mẽ để tồn tại.

15. Tay Súng Lạnh Lùng (1967)

Một trong những bộ phim biểu tượng của nền văn hóa phản kháng nước Mỹ trong thời kỳ Chiến tranh Việt Nam, bộ phim Tay Súng Lạnh Lùng của đạo diễn Stuart Rosenberg có sự tham gia của Paul Newman vào vai một tù nhân ở Florida từ chối để xiềng xích làm cho mình trở nên yếu đuối. Bộ phim được viết bởi Donn Pearce, người có tiền án và hai năm trong các nhóm tù của Sở Cải tạo Florida đã truyền cảm hứng cho cả cuốn tiểu thuyết của mình và bộ phim. Truyền cảm hứng và kích động, Tay Súng Lạnh Lùng thực sự là một video hướng dẫn về cách giữ được bình tĩnh và thông minh hơn tất cả mọi người trong một nơi đầy thù địch muốn thấy bạn chết.

14. Người Tốt, Kẻ Xấu và Kẻ Khờ (1966)

Sergio Leone đã dành những năm 1960 xác định về phim Tây Âu được sản xuất tại Ý với bộ ba Dollars Trilogy, theo dõi những cuộc phiêu lưu lang thang của Người Không Tên (Clint Eastwood). Trong bộ phim cuối cùng sau A Fistful of Dollars (1964) và For a Few Dollars More (1965), bức tranh của Leone theo dõi ba tay súng - do Eastwood, Eli Wallach và Lee Van Cleef thủ vai - đua nhau để tìm vàng CSA chôn sâu trong thời kỳ Nội chiến Hoa Kỳ. Trong khi ý kiến cá nhân thay đổi về bộ phim nào là tốt nhất trong ba phần, Người Tốt, Kẻ Xấu và Kẻ Khờ quá hùng vĩ để bỏ qua và vẫn có lẽ là một trong những bộ phim spaghetti Western đặc trưng nhất. Giữa việc quay phim đáng nhớ và bạo lực hùng tráng, các nhà làm phim hành động đã dành nhiều thập kỷ lấy cảm hứng từ tác phẩm bền bỉ của Leone.

13. Đứa Con Của Rosemary (1968)

Điều đó là một niềm an ủi lạnh lùng khi bạn không bao giờ thấy được khuôn mặt của em bé. Trong bộ phim kinh dị tâm lý của Roman Polanski, Mia Farrow đóng vai một phụ nữ trẻ ở Manhattan nghi ngờ rằng cô có thể bị hàng xóm nhắm mục tiêu để sinh ra một điều gì đó bất hợp pháp. Bộ phim của Polanski - trong đó còn có sự tham gia của John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans và Charles Grodin trong vai diễn đầu tiên của anh ấy trên màn ảnh rộng - là một bộ phim ly kỳ sâu sắc và siêu tối về việc mất mát quyền tự quyết của một người phụ nữ (một cách đáng tiếc về mặt mỉa mai đến từ Polanski) và cách tiến triển của xã hội thế kỷ 20 về thế tự do tôn giáo có thể làm hỏng toàn nhân loại. Đứa Con Của Rosemary đã đi trước xu hướng khi sự kinh hoàng về các tôn giáo Satan sẽ nhanh chóng chiếm một vị trí quan trọng trong các tiêu đề báo chí suốt thập kỷ 1970 và 1980. 

12. Lawrence of Arabia (1962)

Có thể cuộc đời của ai đó trở nên huyền thoại đến mức trở thành một trong những bộ phim phiêu lưu hay nhất từng được làm? Nhà khảo cổ, sĩ quan quân đội và nhà văn người Anh thế kỷ 20, T. E. Lawrence, có vẻ đã sống một cuộc đời như vậy và trở thành Lawrence of Arabia của David Lean. Với sự tham gia của Peter O’Toole, người lúc đó là một diễn viên chưa được biết đến nhưng được Lean yêu thích (từ bộ phim năm 1960 The Day They Robbed the Bank of England), bộ phim theo chân Lawrence qua Đế quốc Ottoman trong Thế chiến thứ nhất. Bộ phim chính là sự khám phá về những khó khăn của Lawrence trong việc hoà giải với bạo lực và sự chia rẽ giữa Anh và những đồng minh mới của anh trong lực lượng Ả Rập. Một bom tấn ngoạn mục trong một thời đại không sản xuất nhiều bom tấn, Lawrence of Arabia lao với sức mạnh và một cảm giác phiêu lưu mà không thấy cho đến khi Raiders of the Lost Ark ra mắt gần 20 năm sau đó.

11. High and Low (1963)

Akira Kurosawa là một đạo diễn nổi tiếng với những bộ phim samurai trường tồn. Nhưng ngay cả khi anh ta đi ngược lại với chính mình, nghệ sĩ nổi tiếng vẫn giữ được những đặc điểm tốt nhất của mình, như sự trang trọng giống như kịch và các nhân vật mạnh mẽ đấu tranh chống lại những lực lượng áp bức. Xuất hiện: High and Low, bộ phim tội phạm sôi động, có cấu trúc tốt của Kurosawa từ năm 1963. Dựa trên tiểu thuyết King's Ransom của Ed McBain, một giám đốc giàu có (Toshiro Mifune) biết được con trai mình bị bắt cóc và giữ để chuộc tiền, bắt đầu một cốt truyện tiến triển nhanh chóng nơi thời gian là vàng. Đổi lại áo giáp samurai bằng áo sơ mi và cà vạt gọn gàng, Kurosawa suy ngẫm về sự phục hồi sau chiến tranh của Nhật Bản. Xung quanh anh, đạo diễn nhìn thấy xã hội Nhật Bản phát triển mạnh mẽ trở thành hiện đại. Nhưng với một cái giá là gì?

10. Từ Nga với Tình Yêu (1963)

Một phần tiếp theo của James Bond làm mưa làm gió ngay cả với bộ phim tiền nhiệm quan trọng nhất Dr. No, đạo diễn Terence Young và diễn viên Sean Connery hợp tác lại cho Từ Nga với Tình Yêu, lần này kể về chuyện Bond giúp một người tháo chạy xinh đẹp từ Liên Xô (Daniela Bianchi) thoát khỏi vòng vây của SPECTRE. Với điệp viên vĩ đại nhất của MI6 đắm chìm trong căng thẳng Chiến tranh Lạnh, Từ Nga với Tình Yêu giữ vị thế độc đáo như một trong những phần tiếp theo của Bond hay nhất từng được làm, là một bom tấn hấp dẫn, gợi cảm và ly kỳ đồng thời. Còn thêm vào đó là bài hát Bond vĩ đại nhất mọi thời đại, được hát bởi ca sĩ Matt Monro.

9. Pierrot le Fou (1965)

Jean-Luc Godard đã dành thập niên 1960 để khẳng định vị trí của mình trong Dòng phim mới của Pháp thông qua những tác phẩm như Breathless (1960), Vivre sa vie (1962), và Band of Outsiders (1964). Nhưng hình thức tối đa của Godard đến vào năm 1965 với Pierrot le Fou, một bộ phim đường ca màu sắc và sáng tạo về một người đàn ông (Jean-Paul Belmondo) bỏ trốn cùng với cô người giữ trẻ và người tình cũ của con mình (Anna Karina) để bỏ lại thế giới giàu sang của họ phía sau. Một tượng đài nghệ thuật pop tràn ngập sự gợi cảm, tình yêu chết chóc và mảnh vỡ của một bức tường thứ tư bị phá hủy, Pierrot le Fou không chỉ xác nhận vị thế của Godard như một đạo diễn tài năng mà còn mạ vàng nó.

8. Bữa Sáng ở Tiffany's (1961)

Audrey Hepburn không chỉ cố định danh tiếng của mình với bộ phim Breakfast at Tiffany's của đạo diễn Blake Edwards, cô còn đảm bảo sự bất tử của mình. Trong bộ phim lãng mạn lớn lao này, Hepburn vào vai Holly Golightly, một người phú nhân kỳ quặc yêu một nhà văn đang vật lộn (George Peppard). Bất kể diễn xuất phản cảm của Mickey Rooney về một người hàng xóm người Nhật, Breakfast at Tiffany's vẫn tràn đầy sức sống và sang trọng, một bộ phim mang tình yêu trong tim bạn và ăn mặc nó trong thời trang mod. Diện mạo của Hepburn như Holly vẫn phổ biến như một biểu tượng của vẻ đẹp vĩnh cửu, và khó có thể phủ nhận điều đó. Một cái nhìn từ cô vào ống kính máy quay của Edwards, và tất cả chúng ta đều ngẩng cao gót giày.

7. Cuộc Sống Ngọt Ngào (1960)

Tên Frederico Fellini trở nên đồng nghĩa với điện ảnh Italia tinh tế, và La Dolce Vita là một trong những tác phẩm thành công nhất của ông. Bộ phim theo chân một nhà báo nổi tiếng (do Marcello Mastroianni thể hiện một cách siêu ngầu trong mỗi khung hình) dạo chơi qua Roma trong một tuần náo loạn - một thành phố cổ kính bị lấn át bởi sự lộng lẫy và quyến rũ - để tìm kiếm điều gì đó trong sạch. Với cốt truyện độc đáo và sự hài hước sắc bén, La Dolce Vita tận hưởng sự hào nhoáng của một nền văn minh hậu chiến tranh phồn thịnh trong khi dự báo sự đầu độc của xã hội bởi những độc tố của danh vọng.

6. Băng Đảng Cuồng Phong (1969)

Sam Peckinpah đã đưa Western vào một cuộc hành hương cuối cùng với Băng Đảng Cuồng Phong, một bộ phim về những tên cướp lão luyện đấu tranh để thích nghi với thế kỷ 20 hiện đại hóa và ra đi trong một bữa tiệc hào hùng. Mặc dù các bộ phim Western chưa hoàn toàn tuyệt chủng, nhưng vào những năm 1960, thể loại này đã rơi vào quên lãng và từ đó chưa bao giờ giành lại được sự phổ biến đó. Điều này chỉ khiến cho loạt pháo hoa của các cú nổ thuốc súng và tiếng vang đạn phản chiếu lại trong phần kết nổ của Peckinpah ở Agua Verde trở nên giống như một cuộc trình diễn pháo hoa tưởng nhớ đến vô số những anh hùng mũ trắng và kẻ cướp mũ đen đã xuất hiện trên màn ảnh bạc từ đầu của Hollywood. Sau Băng Đảng Cuồng Phong, các bộ phim Western lên đường vào hoàng hôn, và chúng chưa từng quay lại.

5. 8 ½ (1963)

Nhà làm phim người Italia Frederico Fellini nổi tiếng khi đặt máy quay của mình vào chính mình, một phần, trong bộ phim của ông về những cuộc đấu tranh để duy trì tác giả và tính cá nhân trong một lĩnh vực dưới sự quan sát công khai. Trong bộ phim thứ tám của Fellini (do đó có tiêu đề), diễn viên Marcello Mastroianni đóng vai Guido Anselmi, một đạo diễn cố gắng tuyệt vọng để duy trì bản thân qua quá trình nghiêm ngặt, tự mòn của việc đạo diễn một bộ phim khoa học viễn tưởng có ngân sách lớn. Trong khi đó, Guido suy ngẫm về những người phụ nữ khác nhau trong cuộc đời mình. Một bộ phim hài đen siêu thực chủ đề và mờ nhạt đường biên giới phân chia giữa thực và hư cấu, 8 ½ xứng đáng được coi là một trong những bộ phim về làm phim hay nhất từng được sản xuất.

4. West Side Story (1961)

Làm sao bạn giải quyết một vấn đề như Maria? Trong câu chuyện tình Romeo & Juliet hiện đại hóa này, diễn viên Natalie Wood và Richard Beymer đóng vai những người yêu nhau bất chấp sự đối đầu giữa các băng đảng phân biệt chủng tộc tại thành phố New York. Một tác phẩm âm nhạc lãng mạn khổng lồ, phiên bản gốc năm 1961 - do Robert Wise và Jerome Robbins đạo diễn - mạnh mẽ xử lý màn ảnh như một sân khấu, với kịch bản phức tạp, bảng màu rực rỡ và cử động máy ảnh sôi động đã ảnh hưởng đến các tác phẩm của Michael Bay (người đã khen ngợi bộ phim trong một cuộc phỏng vấn của New York Times vào năm 2001) và Steven Spielberg, người đã làm lại bộ phim vào năm 2021. Khi bạn xem West Side Story, bạn là một fan trung thành suốt đời, từ viên thuốc lá đầu tiên cho đến ngày cuối cùng của đời mình.

3. Eyes Without a Face (1960)

Mặc dù bộ phim kinh dị kinh điển Eyes Without a Face của Georges Franju năm 1960 ra mắt trước hầu hết các bộ phim giết người hàng loạt, câu chuyện đáng sợ và bạo lực dã man của nó đã thiết lập các tiêu chuẩn sau này được giữ vững bởi các bậc thầy của thể loại như John Carpenter và Wes Craven. Ngay cả vậy, Eyes Without a Face không giống như bất kỳ bộ phim kinh dị nào bạn đã từng xem, vừa thơ vừa đáng sợ. Bộ phim theo đuổi một bác sĩ phẫu thuật thẩm mỹ nổi tiếng (do Pierre Brasseur đóng) người mắc kẹt các cô gái trẻ đẹp để chạm khắc da thịt của họ và sửa lại vẻ vô cùng bi kịch của con gái ông. Édith Scob cũng tham gia đóng vai con gái của bác sĩ, người mặc một chiếc mặt nạ màu trắng ma mị giống như một điềm báo cho các biểu tượng trong tương lai như Michael Myers và Jason Voorhees. Ở đây, sự tuyệt đẹp và sự đáng sợ tạo thành một cặp tù và.

2. 2001: A Space Odyssey (1968)

Không có bộ phim nào định nghĩa thập niên 1960 mà vẫn cảm thấy lạc thời như 2001: A Space Odyssey của Stanley Kubrick. Tiếp tục sau hai tác phẩm kinh điển, Lolita (1962) và Dr. Strangelove (1964), Kubrick nhìn vào vì sao với một siêu phẩm khoa học viễn tưởng tráng lệ chuyển thể từ truyện ngắn “The Sentinel” của Arthur C. Clarke. Phạm vi của 2001 là rất lớn, là một bộ phim mà kéo dài hàng triệu năm từ nguồn gốc của loài người tới sự phát triển vượt bậc của chúng ta như một loài đang vươn tới sao hỏa. Nhưng dù tiến bộ đưa chúng ta đi xa đến đâu, con người vẫn phải đối mặt với bạo lực không thể giải thích. Và vì thế, trên hành trình của tàu Discovery One đến sao Mộc, trí tuệ nhân tạo HAL 9000 có những ý tưởng riêng về sự sống sót mà chủ nhân của nó có thể không hài lòng. Được sáng tác một cách tuyệt vời và đầy rùng rợn trong một tinh thần ngoài hành tinh, 2001: A Space Odyssey đã đẩy điện ảnh lên một tầm cao mới chỉ với một chạm của một tảng đá đen.

1. Psycho (1960)

Với người đẹp Janet Leigh, một chai syrup sô cô la Hershey và một bản nhạc đặc sắc của Bernard Herrmann, Alfred Hitchcock đã tạo ra một kiệt tác điện ảnh đã nhìn sâu vào tâm trí của chúng ta và khám phá ra điều gì khiến chúng ta sợ hãi. Quá nhiều manh mối, sự ngụy biện hài hước, và biểu tượng dày đặc có thể lấp đầy một bài giảng về tâm lý phân tích của Freud, bộ phim nổi tiếng nhất của Hitchcock vẫn tồn tại như một tượng đài vững chắc đã định nghĩa lại sự chấp nhận của điện ảnh thương mại với sự phong phú và đổi mới của các quy tắc trong bộ phim kinh dị hiện đại. Dựa trên cuốn sách cùng tên của Robert Bloch, câu chuyện chủ yếu diễn ra tại khách sạn Bates kỳ quái, được giám sát bởi chủ sở hữu kỳ quặc Norman Bates (Anthony Perkins) người giấu một bí mật tối tăm. Mặc dù Psycho đã sinh ra một thương hiệu mà bao gồm loạt phim truyền hình Bates Motel phổ biến, nhưng Psycho vẫn đứng mạnh mẽ trên chính mình như một bộ phim đã thay đổi mọi thứ.