Bảng xếp hạng từ tồi tệ nhất đến tốt nhất của Mọi Bộ Phim của Studio Ghibli

Studio Ghibli là tổ ấm của những nhà làm phim hoạt hình vĩ đại nhất trên thế giới, nhưng ngoài Nhật Bản, bộ sưu tập của họ thường khó tìm hoặc chỉ dành cho những đĩa thu hình đắt tiền. May mắn thay, tình hình đã thay đổi khi Netflix (tại Anh) và Max (tại Mỹ) mua quyền phát sóng. Bây giờ, mặc dù một số tác phẩm hiếm hoi không có sẵn ở phương Tây - như bộ phim phụ Iblard Jikan dựa trên Whisper of the Heart - nhưng gần như mọi thứ từ phòng làm phim này đều có sẵn chỉ với một cú nhấp chuột.

Bây giờ, với bộ phim cuối cùng của đạo diễn tài năng Hayao Miyazaki, The Boy and the Heron, hiện đang trình chiếu trên màn ảnh rộng quốc tế, đến lúc đánh giá lại tất cả những gì đã xảy ra trước đó. Đây là bảng xếp hạng chính thức của thư viện hoạt hình huyền thoại còn lại của nhà làm phim, và nơi để tìm thấy chúng. Hãy xem một cách có trách nhiệm, và khi bạn hoàn thành, ghé qua hướng dẫn của chúng tôi về những bộ phim hay nhất trên Netflix và những bộ phim hay nhất trên Amazon.

Nếu bạn mua sản phẩm bằng các liên kết trong câu chuyện của chúng tôi, chúng tôi có thể kiếm hoa hồng. Điều này giúp hỗ trợ nghệ thuật báo chí của chúng tôi. Tìm hiểu thêm.

Có lẽ bạn có thể tưởng tượng được quyết định lạnh lùng, tính toán đã đưa Earwig và Phù Thủy ra đời. Sau tất cả, Howl's Moving Castle của Diana Wynne Jones đã trở thành một trong những bộ phim được yêu thích nhất của Studio Ghibli, vì vậy chắc chắn việc chuyển thể một cuốn sách khác của tác giả sẽ là ý tưởng thông minh—và với câu chuyện về một cô gái mồ côi được một phù thủy nhận nuôi và bắt buộc phục vụ, nó có lẽ đã trở thành sự kết hợp hoàn hảo giữa Howl's, Kiki's Delivery Service, và Spirited Away. Ngoài ra, bộ phim hoạt hình CGI của Disney và Pixar thường xuyên chiếm ưu thế ở phòng vé, vì vậy liệu có gì sai sót khi áp dụng phong cách này? Rất nhiều, nhưng nhìn chung, bản thử nghiệm của Goro Miyazaki để mang đến bộ phim 3DCG đầu tiên của Ghibli là một sự kiện nhạt nhòa, tẻ nhạt, mặc dù đã chuyển sang chiều thứ ba, nó vẫn trông phẳng và nhạt nhòa hơn bất kỳ thứ gì mà phòng làm phim này đã phát hành. Ngoài hình ảnh nhạt nhòa, bộ phim cũng là một thất bại về mặt kịch bản, với một hành động chính giữa kéo dài mà không bao giờ trưởng thành thành một phần kết luận, để lại những lý do hậu trường, mối quan hệ và câu hỏi chưa được giải quyết đến khi dòng chữ tín dụng xuất hiện. Thất bại sáng tạo tồi tệ nhất của Studio Ghibli.

Ursula K. Le Guin's Earthsea là một trong những huyền bí tốt nhất trong văn học, nhưng đã bị hủy hoại bởi những chuyển thể kinh khủng sang các phương tiện truyền thông khác. Thật đáng tiếc, thậm chí phép màu của Studio Ghibli cũng không thể phá vỡ lời nguyền đó. Chu kỳ phát triển kỳ lạ của bộ phim không giúp ích gì—Hayao Miyazaki đã nỗ lực để có quyền Earthsea trong nhiều năm, nhưng vào thời điểm Le Guin cho phép, ông đang bận đạo diễn Howl's Moving Castle, dẫn đến việc nhà sản xuất của Studio Ghibli, Toshio Suzuki, chọn Goro, con trai của Hayao (nguyên là một kiến trúc sư cảnh quan), để đạo diễn. Ông Miyazaki lớn tuổi phản đối, vì con trai ông chưa có kinh nghiệm, và ông đã chứng minh đúng. Earthsea này là một tình cảnh lộn xộn, một kết hợp không rõ ràng giữa các cảnh và nhân vật từ tác phẩm của Le Guin, tạo nên một câu chuyện kiểu phù thủy không có sợi tơ kịch bản thực sự và gần như không có cái đẹp hình ảnh nào tương tự như các tác phẩm khác của nhà làm phim. Sau khi phim ra mắt, Le Guin đã nói với Goro: “Đó không phải là cuốn sách của tôi. Đó là bộ phim của bạn. Đó là một bộ phim tốt,” mặc dù sau này bà phê phán nặng nề hơn, chỉ trích về bạo lực trong phim.

Năm 1993, Ocean Waves thực sự là một bài tập huấn luyện cho những người tạo ra trẻ trung của Studio Ghibli, một bộ phim làm cho TV do đạo diễn ngoại vi Tomomi Mochizuki chịu trách nhiệm. Đây cũng là một ứng cử viên cho công việc thực tế và chân thực nhất của phòng làm phim, từ chối sở thích của Ghibli về thần tiên để thực hiện một câu chuyện đau lòng về tình bạn tuổi teen, gia đình tan vỡ và những đau đớn của tuổi dậy thì. Mặc dù vậy, nó cũng rất quyến rũ, hoàn hảo trong việc lưu giữ vẻ đẹp của cuộc sống hàng ngày. Phim theo dõi mối quan hệ ngày càng căng thẳng giữa Rikako, người căm ghét việc được chuyển từ Tokyo sôi động đến thành phố nhỏ hơn Kōchi sau ly hôn của bố mẹ, và các bạn học mới của cô, Taku, là một người chăm chỉ nhưng gặp khó khăn về mặt học vấn, và người đứng đầu lớp Yutaka. Có rất nhiều ánh nhìn nghiêng và nhìn xa xăm vào khoảng cách trung bình khi dàn diễn viên trẻ điều hướng cảm xúc và tương lai của họ, tạo nên một tâm trạng luôn lưu giữ giữa bi thương và suy ngẫm, nhưng chỉ với 72 phút, nó không kéo dài quá lâu. Đối với một số người, nó có thể quá chậm, nhưng đối với những người mở lòng với một bộ phim hoạt hình nghiêm túc, đây là một lựa chọn tốt.

Một sự hợp tác giữa cả hai Miyazaki, với Goro đạo diễn từ kịch bản của Hayao, đã tạo nên tác phẩm xuất sắc nhất của Goro cho đến nay. Đặt trong Yokohama năm 1963, Từ Trên Đỉnh Đồi Hoa Anh Thảo theo dõi Umi, sống trong một nhà trọ trong khi mẹ cô học ở Mỹ, và Shun, một thành viên của đội báo của trường học, khi họ chiến đấu để cứu một câu lạc bộ từ sự phá hủy. Tuy nhiên, khi cặp đôi trở nên gần nhau hơn, họ nhận ra rằng họ có thể chia sẻ nhiều hơn chỉ là một nguyên nhân: Với hồ sơ lộn xộn sau Chiến tranh thế giới thứ hai và Chiến tranh Triều Tiên, một bức ảnh cũ chỉ ra rằng họ cũng chia sẻ một người cha. Mặc dù nó chậm đến mức độ đầy ớn tại một số điểm, Đồi Hoa Anh Thảo vẫn mang đến những khoảnh khắc đẹp đặc sắc của nghệ thuật hoạt hình, và những nhân vật trẻ trung, lạc quan thực sự là một niềm vui đích thực.

Một chuyển thể từ dải truyện tranh của báo, Hàng Xóm của Tôi là Gia Đình Yamada là một ứng cử viên cho bộ phim thử nghiệm nhất của Ghibli. Đạo diễn Isao Takahata không chỉ tránh sử dụng hoạt hình cel để tạo ra sản phẩm kỹ thuật số đầu tiên của phòng làm phim, mà còn có thể đặt dấu hỏi liệu đó có phải là một "bộ phim" theo bất kỳ định nghĩa truyền thống nào. Không có một đường dẫn thực sự, thay vào đó, nó trình bày cho người xem một loạt các mảnh nhỏ tập trung vào gia đình Yamada khi họ đối mặt với những kỳ quặc và lập dị trong cuộc sống hàng ngày. Tâm trạng có thể thay đổi mạnh mẽ từ một đoạn ngắn sang đoạn ngắn—đủ ngớ ngẩn để đặt gia đình Yamada trong câu chuyện dân gian Câu chuyện của Người Cắt Tre (cùng câu chuyện sẽ sau này truyền cảm hứng cho Câu chuyện của Công Chúa Kaguya của Takahata) vào một khoảnh khắc, nhưng đủ chặt chẽ để khám phá những xung đột gia đình lớn (như quyền kiểm soát của điều khiển TV) ở đoạn kế tiếp—nhưng với hình ảnh nước sơn sống động và bản nhạc tuyệt vời của Akiko Yano, Yamadas không bao giờ ít hơn là vô cùng vui vẻ.

Xem trên Netflix 🇬🇧Xem trên Max 🇺🇸

18. Ponyo

Đây có thể là bộ phim gây tranh cãi nhất của Studio Ghibli, một bộ phim bị cấm phát hành tại Bắc Mỹ trong một fouthiệu năm do nội dung sốc của nó. Nội dung gây tranh cãi là gì? Một cảnh hồi tưởng cực kỳ nhẹ nhàng, không chất lượng về thời kỳ hội xuất hiện đầu tiên của nhân vật chính Taeko. Hiện thực sinh học hàng ngày này là quá mạnh mẽ đối với hãng phân phối Disney, và Chỉ Có Hôm Nay trở thành lãnh địa của hàng nhái và nhập khẩu trong nhiều năm. May mắn thay, tác phẩm nhẹ nhàng, tư duy từ đạo diễn Isao Takahata giờ đây đã sẵn có, và hành trình trở lại làng quê của Taeko để tránh cuộc sống thành phố, suy ngẫm về tuổi thơ và quyết định điều cô muốn từ cuộc sống có thể dễ dàng thưởng thức. Một bộ phim nhẹ nhàng—và giống như nhiều bộ phim tâm lý của Ghibli, có thể quá chậm đối với một số người—nhưng nó đứng như một kiệt tác đẹp của nghệ thuật làm phim hoạt hình.

Một câu chuyện tinh tế, đáng đền đáp về tuổi mới lớn và bản dạng dựa trên một tiểu thuyết cùng tên năm 1967 của tác giả người Anh Joan G. Robinson, Khi Marnie Còn Ở Đây theo chân Anna, một cô gái rụt rè và thận trọng khó kết nối với bất kỳ ai. Khi cô chuyển đến một thị trấn biển để hồi phục từ hen suyễn mạn tính, cô gặp Marnie, một cô gái bí ẩn sống trong một biệt thự hẻo lánh chỉ có thể đi bằng thuyền chèo—và Marnie khăng khăng rằng Anna giữ cho sự hữu ích của họ một bí mật. Câu chuyện nằm giữa ranh giới giữa các bộ phim tâm lý và phép thuật của Ghibli, chỉ có những chủ đề siêu nhiên rất nhẹ, nhưng đó là những địa điểm tuyệt vời, hoạt hình tuyệt vời và mối quan hệ chân thành giữa những nhân vật chính của nó khiến nó nổi bật. Là bộ phim thứ hai và cuối cùng của Hiromasa Yonebayashi tại Studio Ghibli, Khi Marnie Còn Ở Đây cho thấy đạo diễn này là một người đáng chú ý.

Một trong những tác phẩm kỳ lạ nhất của Studio Ghibli, The Red Turtle là một epic/mythical romance không có đoạn đối thoại. Một người đàn ông sau đắm tìm thấy mình đơn độc trên một hòn đảo, bị ngăn cản không thể rời đi bởi con rùa đỏ đặc trưng—cho đến khi con vật tự mình tiết lộ điều khác biệt và cuộc sống của người đàn ông thay đổi mãi mãi. Tác phẩm có sự hợp tác đặc biệt giữa Ghibli và một số công ty nghệ thuật và truyền thông châu Âu, do đạo diễn người Hà Lan đoạt giải Oscar Michaël Dudok de Wit chỉ đạo—làm cho nó trở thành một trong những bộ phim có phong cách hình ảnh độc đáo nhất của Ghibli, với sự kết hợp của nhiều ảnh hưởng bao gồm bandes dessinée Franco-Belgian mang đến một chút phong cách Tintin. Mơ hồ và gần như thiền định, The Red Turtle có lẽ là bộ phim độc nhất vô nhị trong thư viện của hãng.

Một trong những tài năng lớn nhất của Studio Ghibli là khả năng hiển thị sự kỳ diệu tuyệt vời có thể được tìm thấy trong thế giới xung quanh chúng ta, và Arrietty là một trong những ví dụ xuất sắc nhất về điều này. Chuyển thể tiểu thuyết kinh điển của Mary Norton The Borrowers sang Nhật Bản, bộ phim theo chân cậu bé Shō khi anh ta kết bạn với Arrietty, một trong những "người nhỏ" sống trong những không gian ẩn trong nhà cậu cô gái. Bộ phim đánh dấu sự ra mắt đạo diễn của Hiromasa Yonebayashi, Arrietty's với hình ảnh tuyệt vời của mình tiết lộ ma thuật trong mọi thứ mà con người trưởng thành thường bỏ qua. Lạ thay, có một bản đồng thoại Anh và Mỹ của bộ phim với dàn diễn viên khác nhau, nhưng bản Anh với sự tham gia của Saoirse Ronan, Tom Holland và Olivia Colman là lựa chọn tốt nhất, đặc biệt là bản Mỹ thay đổi vô ích kết thúc với một số dòng thêm vào không được tìm thấy trong sản xuất gốc.

Bộ phim "tác phẩm cuối cùng" trước đó của Hayao Miyazaki trước khi có The Boy and the Heron—chưa bao giờ có một người đàn ông nào lại mắc bệnh không thể nghỉ hưu một cách bệnh lý như vậy—The Wind Rises chuyển thể từ manga của chính ông có tựa đề tương tự thành một bộ phim giả tưởng về Jiro Horikoshi, kỹ sư chính đằng sau một số máy bay quan trọng của Nhật Bản trong Thế chiến thứ hai, đặc biệt là Mitsubishi A6M Zero. Tuy nhiên, đây không phải là một tác phẩm tuyên truyền, khi Miyazaki mang đến một khám phá trung thực về Nhật Bản thập niên 1930, một đất nước đau đớn vì suy thoái và bệnh tật, cùng với sự miêu tả tỉ mỉ về cách máy bay được thiết kế và xây dựng. Hình ảnh về Horikoshi có chút hư cấu—người thực tế có một người anh trai, không phải em gái như ở đây—nhưng là một hình tượng dễ thương, lạc quan, hầu như bị ám bởi ước mơ bay, bất chấp lo ngại về cách thiết kế của mình có thể được sử dụng. Một xem xét suy nghĩ sâu sắc, lấy cảm hứng từ tình yêu hàng đầu của ông với hàng không, The Wind Rises là một trong những bộ phim cá nhân nhất của Miyazaki.

Dựa trên một manga của Aoi Hiiragi, Thì Thầm của Trái Tim kết hợp giai đoạn trưởng thành với một câu chuyện về tình yêu đầu đời. Nó kể câu chuyện của Shizuku, một cô gái 14 tuổi có hoài bão trở thành một nhà văn, và Seiji, một chàng trai có mục tiêu làm những chiếc đàn violin tốt nhất thế giới. Mặc dù drama cá nhân nằm ở trung tâm, nhưng cũng có những đoạn fantasy tuyệt vời, đưa câu chuyện Shizuku phát minh ra cho The Baron (một tượng mèo cổ, sau này sẽ xuất hiện trong The Cat Returns). Chính những phần này, đặt trong một thế giới siêu thực của các hòn đảo nổi lên dựa trên nghệ thuật ấn tượng của Naohisa Inoue, làm tăng tầm quan trọng của bộ phim như một tổng thể—điều đó và một phiên bản sáng tạo của bài hát "Take Me Home, Country Roads" đáng ngạc nhiên là trung tâm của cốt truyện. Bộ phim duy nhất do Yoshifumi Kondō đạo diễn, một đạo diễn hoạt hình có kinh nghiệm và kế nhiệm được lên kế hoạch cho Miyazaki và Takahata, người đáng tiếc đã qua đời chỉ vài năm sau khi bộ phim được phát hành, Thì Thầm của Trái Tim vẫn tồn tại như một tác phẩm nổi bật từ một nhà sáng tạo tài năng.

Hãy tưởng tượng Indiana Jones như một phi công thay vì một nhà khảo cổ... và với đầu óc biến thành đầu heo. Đó là ý chính của bộ phim Porco Rosso, tác phẩm về bay của Hayao Miyazaki và một kiệt tác ít được đánh giá cao. Đặt trong nước Ý thập niên 1930, Porco Rosso, con heo đỏ, là một phi công tài năng bị cuốn vào một mối quan hệ đối đầu với cướp biển trời Curtis, cạnh tranh cả về ưu thế không trung và tình yêu của Gina, một ca sĩ nhạc kịch và chủ nhân khách sạn. Bộ phim là sự phung phí thú vị từ Miyazaki, một cách để trình bày tình yêu của ông đối với máy bay cổ điển, nhưng cũng chứa đựng những cuộc đua ly kỳ, những trận bắn, và những trận chiến đấu quyết liệt, biến nó thành một bộ phim phiêu lưu cổ điển. Ngoài ra, nó đã đưa ra thế giới câu nói bất tử "Tôi thà là con heo còn hơn là một phát xít." Thích hợp cho việc xem vào một chiều thứ Bảy hoàn hảo.

Bộ phim cuối cùng của Isao Takahata là một thành tựu tuyệt vời, chuyển thể một câu chuyện cổ xưa nghìn năm thành một kiệt tác hiện đại. Được tìm thấy như một em bé trong một cây lúa tre, Kaguya trẻ mang lại niềm vui cho bố mẹ nuôi của mình. Xuất thân từ mặt trăng, Kaguya thưởng thức niềm vui đơn giản của cuộc sống bucolic của mình, cho đến khi những người đã trục xuất cô xuống Trái đất đòi cô trở lại và Kaguya đối mặt với việc mất mọi thứ và mọi người mà cô yêu thương. Hình ảnh không giống bất kỳ thứ gì khác, toàn bộ là những bức tranh nước mơ và những đường vẽ nửa nhớ nửa quên tràn vào nhau tạo ra những hình dạng tuyệt vời của sự di chuyển, trong khi âm nhạc của Joe Hisaishi là một trong những tác phẩm tốt nhất của Ghibli. Là bộ phim Nhật Bản đắt nhất từng được làm—một kỷ lục được thay thế bởi The Boy and the Heron—Chuyện Cổ Tích về Công Chúa Kaguya cũng là một sự kiện gần như ghi lại cảm xúc. Xem cùng những người bạn bạn không phiền họ thấy bạn khóc không kiểm soát.

Nữ phù thủy trẻ Kiki vừa tròn 13 tuổi và, theo phong tục, phải tiếp tục đào tạo phép thuật của mình bằng cách sống một mình trong một năm. Chỉ mới thành thạo bay trên chổi, Kiki và con mèo biết nói của mình, Jiji, du lịch đến thành phố cảng Koriko, nơi cô bắt đầu giúp đỡ người dân như một cô gái giao hàng nhanh chóng. Và... chỉ vậy thôi. Thứ gần giống nhất với một cốt truyện trung tâm là mối quan hệ tăng lên giữa Kiki và Tombo, một chàng trai mê mẩn bay (thường bị nghi ngờ là một phần tự sáng tạo của đạo diễn Hayao Miyazaki, khi anh ta có tình yêu đã được ghi chép rõ ràng với hàng không), nhưng cuối cùng Dịch Vụ Giao Hàng của Kiki là một câu chuyện năng động về việc trưởng thành, một tập hợp gần như theo từng tập những cuộc phiêu lưu nhỏ của nhân vật anh hùng có ý định tốt. Sự đơn giản đó là một phần của sức quyến rũ vững chắc của nó, tạo nên một tâm trạng hơn là một câu chuyện, về việc tìm thấy sự tự tin, om sòm cuộc phiêu lưu và đối diện với thế giới với niềm hy vọng và lạc quan. Một kiệt tác kinh điển, bất kể độ tuổi của bạn.

Thật đau lòng khi Pom Poko có lẽ được biết đến tốt hơn với cái tên "bộ phim có quả cầu của chú dân trí," và điều đó hoàn toàn sai. Đầu tiên, những nhân vật chính không phải là chú dân trí mà là tanuki, những sinh linh nghịch ngợm được biết đến trong truyền thuyết Nhật Bản về sự lừa dối và biến hình. Thứ hai, danh tiếng về tính chất ma thuật của cơ thể tanuki làm đánh bại một trong những tác phẩm lớn nhất của Isao Takahata, một câu chuyện về môi trường nói về tác động của sự mở rộng đô thị của loài người đối với môi trường sống của rừng và những sinh linh sống trong đó. Đó là một cách tiếp cận trí tuệ đối với nội dung nặng nề một cách bất ngờ, và đối với mỗi cuộc chiến huyền bí giữa các bộ lạc tanuki, đều có một khoảnh khắc đau lòng cho thấy giá trị thực sự đối với thế giới tự nhiên của sự hiện đại hóa không ngừng của chúng ta. Dù kỳ cục nhưng nghiêm túc, những thông điệp của Pom Poko sẽ ở lại với bạn lâu sau khi bạn xem xong.

Bộ phim đầu tiên chuyển thể từ tiểu thuyết của Diana Wynne Jones bởi Studio Ghibli (và thành công hơn nhiều so với Earwig and the Witch), Lâu Đài Di Động Của Howl cho phép Hayao Miyazaki trình bày tuyên bố chống chiến tranh mạnh mẽ nhất của ông đến khán giả. Đặt trong một thế giới giả tưởng một cách giống thực tế, nơi một cuộc xung đột bùng nổ với sự kết hợp của phép thuật và quân đội mạnh mẽ, bộ phim tập trung vào Sophie, một cô nàng làm nón trẻ bị già hóa thành một bà cụ khô khan bởi lời nguyền từ Phù Thủy của Chất Thải. Trong hành trình tìm kiếm phương thuốc chữa, cô gặp phải lâu đài mang tên như bản thân nó—một công trình đáng sợ lạc lõng không thể tin được qua cả nông thôn—và chủ nhân kiêu hãnh của nó, phù thủy Howl. Mặc dù sức mạnh của Howl được cả hai bên đều đang tìm kiếm để cố gắng làm đảo ngược tình hình chiến tranh ngày càng quét ngang, nhưng sự tập trung vào Sophie và mối quan hệ của cô với Howl và Calcifer, hồn lửa làm năng lượng cho lâu đài, thực sự cho phép Miyazaki nhấn mạnh tác động của chiến tranh ở mức độ cá nhân. Điều này chỉ giảm đi một chút bởi một kết thúc hời hợt, vội vã, nhưng sự kết hợp giữa những nhân vật quyến rũ và hình ảnh tuyệt vời là kiểu Ghibli cổ điển.

Mặc dù kỹ thuật không phải là một bộ phim của Studio Ghibli—phát hành vào năm 1984, thành công của nó đã đặt nền tảng tài chính cho Miyazaki, Takahata và nhà sản xuất Toshio Suzuki để thành lập Studio Ghibli vào tháng 6 năm 1985—Nausicaä là đồng nghĩa với hãng phim. Và không phải vô lý, bởi vì sự tưởng tượng hậu tận thế của Miyazaki, được chuyển thể từ manga của ông, đã chứng minh một khoảnh khắc quay đầu quan trọng trong lịch sử hoạt hình. Đặt 1.000 năm sau cuộc chiến tranh chấm dứt nền văn minh được biết đến với hậu thế là Bảy Ngày Lửa, câu chuyện về công chúa có tên gọi như tiêu đề cố gắng cứu dân của mình khỏi thảm họa sinh thái được mang đến bằng công việc đột phá từ những nhân vật tiềm năng của ngành công nghiệp (một trình tự đặc biệt đáng chú ý được dẫn dắt bởi tác giả của Evangelion Hideaki Anno). Đầy đủ những điểm đặc trưng của cả Ghibli và sản phẩm của Miyazaki—những phụ nữ trẻ anh hùng, niềm vui của chuyến bay và tình trạng mong manh của thế giới tự nhiên—Nausicaä đã đặt ra tiêu chuẩn cho mọi thứ tiếp theo.

Cảnh báo: Có khả năng cao bộ phim này sẽ gây chấn động cho bạn. Tác phẩm lớn nhất của Isao Takahata theo dõi anh em Seita và Setsuko khi họ cố gắng sống sót sau vụ đốt bom năm 1945 tại Kobe và sự đầu hàng của Nhật Bản vào cuối Thế chiến thứ hai. Mất cha mẹ và bị gia đình dài hạn sống sót lạc quay đã bóp méo, họ cố gắng duy trì sự tồn tại trong những vùng đất hoang vắng mà trước kia là quê hương của họ, chỉ để đối mặt với đói kém và bệnh tật. Đây là một tác phẩm u ám và khó khăn, và một cách không biết xấu hổ, được vẽ trong các gam màu buồn bã, bi thương suốt, một bộ phim về một thế giới đã mất, về sự ngây thơ đã mất, về nỗi đau và khổ đau, về chi phí của chiến tranh đối với những người vô tội nhất, nhưng cũng về tình yêu bền vững. Những đặc tính giấy phép liên quan đến câu chuyện ngắn gốc của Akiyuki Nosaka làm cho nó trở thành một trong những bộ phim của Studio Ghibli ít khi có sẵn trên Netflix (UK) hoặc Max (US), nhưng bạn có thể mua hoặc thuê trực tuyến ở cả hai lãnh thổ và có một phiên bản Blu-ray khá xuất sắc cho những người yêu thích phương tiện vật lý.

Bộ phim Ghibli chính thức đầu tiên, Laputa: Lâu Đài Trên Không năm 1986, là sự tinh chế của mọi thứ làm cho Studio trở nên vĩ đại, cả trên màn ảnh và sau hậu trường. Được viết và đạo diễn bởi Hayao Miyazaki, sản xuất bởi Isao Takahata và với một bản nhạc tuyệt vời của Joe Hisaishi, nó là một triển lãm của những tài năng lớn nhất tại ngôi nhà hoạt hình được yêu thích, trong khi câu chuyện hành động phiêu lưu cũng làm cho Ghibli hứng thú. Khi Pazu, một thợ mỏ trẻ, cứu Sheeta, một cô gái rơi từ trời xuống, nó dẫn họ tìm kiếm một lâu đài ẩn sau những đám mây, một cuộc phiêu lưu đưa họ vào xung đột với lực lượng chính phủ lạ mắt, cướp biển trên những con thuyền không steampunk và những chiếc robot mạnh mẽ do một nền văn minh cổ đại tạo ra. Được truyền cảm hứng từ những yếu tố đa dạng như Chuyến đi của Gulliver và chuyến thăm các thị trấn khai thác mỏ của Miyazaki tại xứ Wales, Lâu Đài Trên Không là kiệt tác đầu tiên của Ghibli.

Nhấn mạnh vào sự kết hợp của truyền thống Shinto và Phật giáo, Nhập Ma là một sự kiện quyến rũ và đã mạnh mẽ củng cố uy tín của Studio Ghibli ngoài Nhật Bản (đoạt giải thưởng Oscar cho Phim hoạt hình xuất sắc nhất sẽ làm được điều đó). Khi Chihiro bước vào một thế giới tuyệt vời đầy thần linh và quái vật, cô mất tất cả mọi thứ — thậm chí cả tên của mình. Được đặt tên lại là Sen bởi phù thủy Yubaba và bị ép làm việc trong một nhà tắm cho yōkai và linh hồn, cuộc chiến đấu của cô để trở lại thế giới cô biết đưa cô đi khám phá một thế giới tinh thần tưởng tượng, đẹp tuyệt vời, đầy những hình ảnh khó quên được tạo ra bằng sự chú ý không giới hạn của đạo diễn Hayao Miyazaki đối với chi tiết. Có thể so sánh với Alice in Wonderland hoặc The Wizard of Oz, nhưng đây là phép màu thuần túy của Ghibli.

Trong khi Nhập Ma giành cho Miyazaki giải Oscar, có lý lẽ mạnh mẽ cho rằng Công Chúa Mononoke mới là bộ phim mà nên giành giải. Đặt trong một phiên bản của Nhật Bản thế kỷ 13, bức tranh hoạt hình kể về cuộc chiến đấu giữa các vị thần động vật bảo vệ rừng và con người muốn chặt hạ để khai thác sắt. Một bên là San, một phụ nữ trẻ được nuôi dưỡng bởi thần sói, hận thù con người. Phía kia là Lady Eboshi phức tạp, một nhân đạo và nữ quyền xây dựng một ngôi nhà cho những người bị xã hội rộng lớn bỏ rơi, nhưng kiêu ngạo của bà gây ra hỗn loạn và tàn phá. Bị kẹt giữa là Ashitaka, một hoàng tử bị lời nguyền của một con quỷ làm hại, nỗ lực tìm phương thuốc dẫn anh ta cố gắng hòa hợp cả hai phe. Đây là một câu chuyện phong phú, phức tạp hơn hầu hết mọi thứ khác trong tác phẩm của Ghibli, được bao bọc bởi những mảng màu xám nghệ thuật ngay cả khi hình ảnh của nó vẽ nên một thế giới tươi đẹp, sống động với những con thú dã man và tinh thần tò mò. Sự cân bằng giữa con người, công nghệ và thiên nhiên là một trong những chủ đề ưa thích của Miyazaki, và Công Chúa Monokoke là sự miêu tả gợi cảm nhất về niềm tin của ông.

Dĩ nhiên Hàng Xóm Totoro đứng đầu danh sách này — nhân vật huyền thoại trở thành biểu tượng của Studio Ghibli không phải là ngẫu nhiên. Khi Mei và Satsuki chuyển đến với cha mình trong một căn nhà cũ gần bệnh viện nơi mẹ họ đang hồi phục từ một căn bệnh nặng, họ vô tình bước vào một thế giới của các linh hồn tự nhiên bí ẩn mà người lớn không thấy được, do chúa lớn Totoro dẫn dắt. Như Dịch Vụ Giao Hàng của Kiki, Totoro là một loạt những cuộc phiêu lưu nhẹ nhàng, tuyệt vời khi hai chị em gắn bó với sinh vật bí ẩn, nhưng nó giữ chặt nhờ vào trọng lượng cảm xúc đằng sau hoàn cảnh của các cô gái. Bộ phim cũng đánh dấu sự xuất hiện đầu tiên của nhiều nét đặc trưng của Studio Ghibli — đặc biệt là susuwatari, những chú tinh linh thanh tú xuất hiện trong nhiều bộ phim khác — và hoàn toàn đầy ắp hình ảnh biểu tượng và những khoảnh khắc nổi bật. Bức ảnh chụp tại trạm xe buýt với Totoro và những cô gái đứng dưới mưa tầm tã, Catbus lao vút qua cánh đồng, tiếng hòa nhạc vang vọng trên toàn quê — tất cả đều đáng nhớ. Không chỉ là một bộ phim tuyệt vời cho trẻ em, mà còn là một trong những bộ phim tuyệt vời về ma thuật và sự kỳ diệu của việc làm một đứa trẻ. Xem nó, sau đó xem lại.