Những bộ phim hay nhất của thập kỷ 1950

Trong thập kỷ đầu tiên sau hậu quả của Chiến tranh thế giới II, ngành công nghiệp điện ảnh toàn cầu không bỏ lỡ bất kỳ bước nào. Nhưng trong số đó, những bộ phim nào mới thực sự là tuyệt vời nhất?

Suốt qua giữa thế kỷ 20, nghệ thuật làm phim đã tiến triển thông qua sự hoàn thiện của phong cách của các hãng phim thương mại. Đồng thời, những thử nghiệm tiến bộ, như âm nhạc điện tử kết hợp với sự phổ biến của kỹ thuật Technicolor và màn hình rộng widescreen, đã đưa phương tiện này lên một tầm cao mới. Trong khi tất cả điều đó đang diễn ra, các ngôi sao điện ảnh trở nên quen thuộc hơn với việc trở thành lý do duy nhất khiến công chúng đến xem phim lần đầu tiên.' 

Thập kỷ 1950 chứng kiến sự mở rộng của lĩnh vực điện ảnh. Trong khi các bộ phim Hollywood do Mỹ sản xuất thống trị về mặt văn hóa và thương mại, các bộ phim từ các nước khác trên thế giới như Nhật Bản, Thụy Điển, Ý, Pháp và nơi khác cũng bắt đầu nổi lên.

Mặc dù hình ảnh phổ biến nhất về thập niên 1950 có thể là các giá trị Mỹ trong sáng, nhưng những bộ phim xuất sắc nhất trong những năm đó lại hoàn toàn khác biệt. Giữa những cuộc săn đuổi Cộng sản, sự bắt đầu của Chiến tranh Lạnh và những tội ác đã xảy ra và chịu đựng trong Thế chiến II, những bộ phim hay nhất của thập niên 1950 đều ngập tràn trong sự hoang mang, ám ảnh tâm lý và sự can đảm ngu xuẩn đối mặt với những thách thức không thể vượt qua. Nhưng cũng có những điệu nhảy và hát hò.

Để chứng minh sự đa dạng không khí của thập kỷ 1950, dưới đây là 32 bộ phim hay nhất của thập kỷ.

32. Mười Điều Răn (1956)

Bộ phim cuối cùng của Cecil B. DeMille có thể coi là tác phẩm kiệt xuất nhất của ông, một bom tấn Hollywood với kích thước thực sự của Kinh Thánh. Dựa trên nhiều nguồn văn bản như Prince of Egypt của Doroth Clarke Wilson, Pillar of Fire của J. H. Ingraham, chưa kể đến Kinh Thánh, Mười Điều Răn theo dõi cuộc đời của Moses (Chartlon Heston) từ lúc sinh ra và được nhận nuôi ở Ai Cập đến khi ông chấp nhận quy tắc của Thiên Chúa trên núi Sinai. Mười Điều Răn không chỉ là một bộ phim tài liệu kiệt xuất về Moses mà còn kể về cuộc đối đầu gây cấn giữa Moses và Ramses II (Yul Brynner). Dù bạn có tin hay không, bạn không thể phủ nhận sự tráng lệ tuyệt vời của nó. Ngay cả bây giờ, Mười Điều Răn vẫn là điều mà tất cả những bom tấn Hollywood siêu đắt tiền nên cố gắng bắt chước.

31. Cinderella (1950)

Sau khi phim Snow White and the Seven Dwarfs ra mắt vào năm 1937, Disney đã dành thập kỷ '40 để tích luỹ quyền lực và ảnh hưởng như một hãng phim hoạt hình với những thành công vang dội tại phòng vé như Pinocchio, Dumbo và Bambi. Năm 1950, Disney bắt đầu thập kỷ mới với Cinderella, một bộ phim giả tưởng âm nhạc tuyệt đẹp về một cô mồ côi lao động cực nhọc biến thành nàng công chúa của bữa tiệc, do Wilfred Jackson, Hamilton Luske và Clyde Geronimi đồng chỉ đạo. Có thể coi Cinderella là tiên phong cho tất cả những gì định nghĩa Disney và phong cách tạo huyền thoại cụ thể của nó, Cinderella vẫn vững vàng với câu chuyện phù thủy, tình yêu đích thực và đôi chân có kích thước đúng. Khi xem nó bây giờ, bạn không thể không hát, “Bibiddi-Bobbidi-Boo!”

30. Forbidden Planet (1956)

“Không ai có thể nhìn thấy gorgon và sống!” Trước khi Star Wars thay đổi mãi ngôn ngữ của khoa học viễn tưởng điện ảnh, có Forbidden Planet. Do Fred M. Wilcox đạo diễn và có sự tham gia của Walter Pidgeon, Anne Francis và Leslie Nielsen, Forbidden Planet vừa là một tác phẩm tổng hợp tuyệt vời của khoa học viễn tưởng cổ điển và vừa là một nhà đổi mới thực sự, từ nhạc nền điện tử hoàn toàn mới mẻ đến việc giới thiệu các khái niệm như du lịch vượt ánh sáng được tạo ra bởi con người. (Nhân vật nổi bật của nó, Robby the Robot, cũng là một huyền thoại Hollywood.) Câu chuyện của nó kể về một tàu chiến của quân đội được gửi đi để điều tra tung tích của các cư dân mất tích, một cốt truyện đã được tái hiện bởi rất nhiều tác phẩm khác trong thể loại trong nhiều thập kỷ qua.

29. The Seventh Seal (1957)

Kể từ khi ra mắt vào năm 1957, The Seventh Seal của Ingmar Bergman vẫn được coi là tác phẩm vĩ đại nhất của đạo diễn và là tác phẩm đã cố định vị trí của Thụy Điển trong lĩnh vực điện ảnh thế giới. Một câu chuyện giả tưởng lịch sử diễn ra trong thời kỳ Black Death, nó theo dõi một hiệp sĩ quý tộc (Max von Sydow) người chơi với Chết che khuất và u ám (Bengt Ekerot) trong một trò chơi cờ. Xung quanh họ là một dàn diễn viên đóng vai trong những bức tranh đạo đức giả như những bài thuyết giáo. Trong một thời đại được ghi dấu bởi những nỗi kinh hoàng như Holocaust và bom hạt nhân, bức tranh của Bergman định rõ thời kỳ của nó nhưng vẫn cảm thấy vĩnh cửu trong sự hoang tàn và u uất.

28. Sunset Boulevard (1950)

Hollywood mê mẩn với những câu chuyện về chính mình, ngay cả những câu chuyện bẩn thỉu. Vào năm 1950, ngành công nghiệp điện ảnh đã chính thức bước vào một thời đại mới khi 'phim có tiếng' trở thành điều thông thường và các ngôi sao điện ảnh bắt đầu tích luỹ quyền lực và ảnh hưởng văn hóa nhiều hơn. Đó là lúc Sunset Boulevard của Billy Wilder ra đời. Gloria Swanson đóng vai Norma Desmond, một ngôi sao câm lặng đã qua thời hoạch định trở lại với sự giúp đỡ của nhà biên kịch đấu tranh Joe (William Holden). Một câu chuyện cảnh báo u ám về độc hại và tính thoáng qua của danh vọng, Sunset Boulevard là một tác phẩm tự truyện Hollywood tối tăm. Nó là một lựa chọn phù hợp để xem kèm với những bức tranh như Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood và Babylon.

27. Les Diaboliques (1955)

Trong bộ phim kinh dị tâm lý từ Pháp của đạo diễn Henri-Geoarges Clouzot, vợ và tình nhân của một hiệu trưởng tàn nhẫn làm việc cùng nhau để giết ông, chỉ để phát hiện ra họ bị ám bởi hành động của mình khi xác ông biến mất. Les Diaboliques (phát hành với tên Diabolique tại Mỹ) không nhất thiết phải phát minh ra thể loại kinh dị, nhưng tác động của nó nói lên tất cả; tác giả của Psycho, Robert Bloch, đã đề cập đến bộ phim này là một trong những bộ phim yêu thích nhất trong một cuộc phỏng vấn năm 1983. Les Diaboliques đầy căng thẳng và hoang tưởng, và phải được công nhận là một bí ẩn án mạng được thực hiện hoàn hảo mà không một giọt máu nào được rơi.

26. Roman Holiday (1953)

Audrey Hepburn và Gregory Peck tỏa sáng cùng nhau trong bộ phim hài lãng mạn nhẹ nhàng nhưng đắng cay của William Wyler. Trong Roman Holiday, Hepburn đóng vai một công chúa châu Âu lang thang ở Rome và kết bạn với một nhà báo Mỹ dễ thương (Peck). Cùng nhau, hai người thưởng thức một cuộc phiêu lưu lãng mạn không ngờ qua thành phố cổ, cho phép họ tận hưởng niềm vui ngắn ngủi trước khi tiếp tục cuộc sống cá nhân của họ. Trong phim, một Hepburn rơi nước mắt nói, “Tôi không biết phải nói lời tạm biệt như thế nào.” Sức hấp dẫn lâu dài của Roman Holiday cho thấy khán giả cũng không biết lời tạm biệt như thế nào sau những năm qua.

25. Shane (1953)

Trước khi siêu anh hùng trở thành nhân vật chính trong điện ảnh, đã có các cao thủ súng cao bồi của phim miền Tây. Thể loại này đạt đỉnh cao vào những năm 1950, và một bộ phim vượt trội hơn cả là Shane, một tác phẩm điện ảnh toàn cảnh tuyệt đẹp của George Stevens. Dựa trên cuốn sách của Jack Schaefer, Shane kể về một cao thủ súng lừng danh (Alan Ladd) mong muốn bỏ lại quá khứ bạo lực của mình. Sau khi định cư với một gia đình nông dân ở Wyoming, Shane buộc phải rời khỏi “nghỉ hưu” để đối mặt với các tên cướp và các ông trùm tàn bạo. Cuối cùng, việc Shane cưỡi ngựa vào hoàng hôn trong khi một đứa trẻ kêu gọi anh phải “trở lại” không ý muốn tiên đoán sự biến mất sắp tới của phim miền Tây như biểu tượng của anh hùng.

24. Some Like It Hot (1959)

Một trong những bộ phim vĩ đại nhất của Marilyn Monroe cũng là một trong những bộ phim cuối cùng của cô. Trong bộ phim hài tội phạm hỗn loạn của Billy Wilder Some Like It Hot, Tony Curtis và Jack Lemmon đóng vai những nhạc công jazz từ thời kỳ Cấm rượu trốn thoát khỏi bọn mafia Chicago bằng cách trang điểm thành phụ nữ và tham gia vào một ban nhạc nữ đi du lịch đến Miami. Cả hai đều phải lòng ca sĩ và chơi đàn ukulele của ban nhạc, Sugar (Monroe) và bắt đầu cạnh tranh tình cảm của cô trong khi duy trì danh tính giả mạo của họ. Ngay cả khi “không ai hoàn hảo,” Some Like It Hot vẫn là một bộ phim hài hoàn hảo.

23. Singin’ in the Rain (1952)

Được đạo diễn và kịch bản hóa bởi Gene Kelly và Stanley Donen, Singin’ in the Rain không chỉ là hình ảnh bền bỉ về những chiếc ô mở rộng, áo mưa màu vàng, và Debbie Reynolds nhảy múa đến vinh quang. Đặt vào năm 1927, cuối thời đại phim câm đang đến khi ngôi sao điện ảnh Don Lockwood (Kelly), người bạn chơi piano tốt nhất của mình Cosmo (Donald O’Connor), và nữ diễn viên tài năng Kathy Selden (Reynolds) cùng nhau làm việc trên một dự án mới nhằm tận dụng công nghệ mới hấp dẫn của âm thanh đồng bộ với hình ảnh chuyển động. Hài hước và sặc sỡ, Singin’ in the Rain tận hưởng phía sáng sủa của sự tiến hóa liên tục của Hollywood mà thường làm tan vỡ giấc mơ. 

22. Gojira (1954)

Hơn mười năm sau khi Nhật Bản chịu trận bắn phá hạt nhân kết thúc Chiến tranh Thế giới II, một quái vật vô thần nổi lên từ biển nhắc nhở loài người về sự tiêu diệt sắp tới của mình. Được biết đến với tên gọi Godzilla ở phương Tây, bản Gojira nguyên bản từ Ishiro Honda là một kiệt tác về kinh dị quái vật nơi tội ác của con người và quái vật không thể phân biệt được. Trong khi “Godzilla” sau này đã trở thành một siêu anh hùng truyện tranh ở cả hai bên của Thái Bình Dương, các phiên bản làm lại và khởi đầu lại suốt thế kỷ 21 đã cố gắng khôi phục lại bóng dáng gốc của Big G như một ác mộng theo phong cách Lovecraft. Một số đã thành công. Nhưng khi họ thất bại, vẫn còn Gojira.

21. The Quiet Man (1952)

Mặc dù John Wayne được biết đến như một anh hùng của phim Western Hollywood, đạo diễn John Ford mang đến cho khán giả một hương vị khác của biểu tượng trong bộ phim hài lãng mạn nhiều màu sắc của ông The Quiet Man, dựa trên một câu chuyện ngắn của Saturday Evening Post. Đặt trong vùng quê Ireland vào những năm 1920, John Wayne đóng vai Trooper Thorn, một võ sĩ quyền Anh gốc Ireland Mỹ muốn mua lại nông trại cũ của gia đình mình khi anh phải lòng cô gái địa phương Mary Kate nóng nảy (Maureen O’Hara). Được quay trong công nghệ Technicolor sặc sỡ, bức tranh của Ford thực sự sống động trong những bức ảnh tuyệt đẹp về Ireland nông thôn, chưa kể mái tóc đỏ tươi của O’Hara làm nổi bật trước cảnh quan xanh tươi mát. Mặc dù cách miêu tả về vai trò giới tính cảm thấy lỗi thời, bạn không thể không ngạc nhiên trước cảnh đẹp mà Ford ghi lại.

20. Rebel Without a Cause (1955)

Có thể coi là bộ phim xác định về James Dean, nam tài tử không bao giờ quên sáng trong bộ phim tâm lý trưởng thành tuyệt đẹp của Nicholas Ray, hé lộ sự xấu xa đang nổi lên trong giới trẻ Mỹ sau chiến tranh. Đặt trong bối cảnh Los Angeles đương đại, Dean đóng vai Jim Stark, một thiếu niên rắc rối lâm vào giữa bố mẹ cãi nhau. Anh bắt đầu một mối quan hệ rung rinh với một cô gái khác từ trường trung học của anh, Judy (Natalie Wood), cũng bị những vấn đề tại gia và đi theo một nhóm bạn khó khăn. James Dean qua đời trong một vụ tai nạn xe hơi vào tháng 9 năm 1955, ở tuổi 24; Rebel Without a Cause được phát hành sau khi anh qua đời chỉ vài tuần. Nhưng tác động không thể phủ nhận của bộ phim đã củng cố tình trạng của Dean cho đến muôn đời, đảm bảo rằng mỗi thế hệ đều có thể nhìn thấy một phần của mình trong đôi mắt đầy cảm thông của James Dean.

19. Night and the City (1950)

Lo sợ việc bị đưa vào danh sách đen của chính phủ trong thời kỳ McCarthyism, nhà làm phim Jules Dassin đã trốn sang London và thực hiện một bộ phim đầy nghi ngờ, tuyệt vọng và không tin tưởng. Trong Night and the City, Richard Widmark đóng vai Harry Fabian, một kẻ lừa đảo Mỹ tự làm hại bản thân mình bằng cách tham gia vào vòng xoay của giới đấu vật chuyên nghiệp ở London. Mặc dù thường bị bỏ qua so với các tác phẩm noir khác, Night and the City đánh như một cú ngã mạnh như một bộ phim ly kỳ bẩn thỉu mô tả hình ảnh của tiểu thuyết đen Anh, các con hẻm hẹp và quán bar đầy những nhân vật vô luân chỉ tin tưởng vào bản thân họ. Trong khi có hai phiên bản khác nhau của bộ phim với các kết thúc tương phản - một dành cho khán giả Anh, một dành cho người Mỹ - Dassin khẳng định rằng bản cắt Mỹ cay đắng hơn gần với tầm nhìn của mình.

18. Tokyo Story (1953)

Akira Kurosawa nổi lên trong những năm 1950 như một trong những nhà làm phim nổi tiếng nhất của Nhật Bản. Nhưng giữa những người đồng nghiệp vĩ đại nhất của mình là Yasujiro Ozu, người có phong cách hiện đại, tối giản đối lập nặng nề với sự rộng lớn, hoành tráng của Kurosawa. Năm 1953, Ozu làm đạo diễn cho một trong những kiệt tác được coi là của mình: Tokyo Story, về một cặp vợ chồng về hưu đi du lịch đến Tokyo để thăm bốn đứa con người lớn của họ. Bộ phim của Ozu, giữ một nhịp điệu chậm và một máy quay gần như không bao giờ di chuyển, khám phá ảnh hưởng trực tiếp của thế giới phương Tây đối với Nhật Bản trong những năm sau Thế chiến II và sự xa cách không phân biệt của bố mẹ với con cái đang lớn lên. Mặc dù không phải là một bộ phim hài, sự hài hước nhẹ nhàng của nó hé lộ vẻ đẹp tuyệt vời được tìm thấy trong cuộc sống hàng ngày của tầng lớp trung lưu.

17. Horror of Dracula (1958)

Nhiều năm sau khi các quái vật của Universal rút lui vào bóng tối, hãng phim Anh Hammer đã mở ra thời đại của riêng mình bắt đầu bằng Dracula (được biết ở Mỹ với tên gọi Horror of Dracula) với Sir Christopher Lee đóng vai vampire biểu tượng. Khác biệt với diễn xuất biểu tượng nhưng hài hước của Bela Lugosi trong vai bá tước Transylvania, Lee thể hiện một phiên bản đẹp trai hơn, làm nổi bật sự gợi cảm bẩm sinh của ma cà rồng và sự nghiêng về việc cắn cổ và hút máu. (Bởi theo đúng nghĩa đen, phiên bản của Lee cũng giới thiệu răng nanh kép, mà Lugosi không có trong bộ phim năm 1931 của mình.) Lee đóng vai Dracula trong nhiều bộ phim sau đó, nhưng buổi ra mắt năm 1958 vẫn là số một.

16. From Here to Eternity (1953)

Trong tác phẩm lãng mạn và trầm lắng của Fred Zinnemann năm 1953, những người lính Mỹ đóng quân tại Hawaii đối mặt với số phận của họ trong những ngày trước cuộc tấn công vào Pearl Harbour. Mặc dù dàn diễn viên đình đám bao gồm Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr và Donna Reed, nhưng Montgomery Clift mới là người làm nền cho bộ phim với vai lính bộ binh Robert E. Lee “Prew” Prewitt, một người lính cam kết và là một người chơi kèn bugle tài năng, nhưng từ chối thực hiện ý muốn của đại úy để giành được các chức vô địch quyền Anh. Mọi người có mặt, tất cả đều là biểu tượng từ giai đoạn cuối của Thời kỳ Vàng của Hollywood, đều ở trong tình trạng tốt nhất của họ như những người kẻ phạm tội đang tiến hành đến lúc cuộc sống của họ thay đổi mãi mãi. Montgomery Clift từng nổi tiếng với việc từ chối đóng nhiều vai diễn, nhưng From Here to Eternity dễ dàng là một trong những vai diễn xuất sắc nhất của ông.

15. Throne of Blood (1957)

Bộ phim hấp dẫn của Akira Kurosawa tái hiện lại vở kịch Macbeth của Shakespeare, với sự xuất sắc của Toshiro Mifune, trong vai một samurai tương đương với Macbeth, người học được từ một hồn ma rừng độc ác về tương lai sắp tới của mình là một lãnh chúa lâu đài. Sự kết hợp văn hóa của các yếu tố Shakespeare với kỹ thuật sân khấu của nhà hát Noh Nhật Bản, Throne of Blood là một ác mộng đầy sương mù, nơi quyền lực đến dễ dàng nhưng sức mạnh để giữ chặt lại đòi hỏi một cái giá lớn. Phần phim ly kỳ chính trị, phần kinh dị - huyền bí, Throne of Blood hoàn toàn gây ấn tượng và đạt được bất tử trong cơn mưa mũi tên.

14. 12 Angry Men (1954)

Hầu như mỗi thế hệ đều có phiên bản của riêng mình về 12 Angry Men. Nhưng vào năm 1957, đạo diễn Sidney Lumet đã mang đến màn ảnh một bộ phim không thể quên với một dàn diễn viên gồm Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda và nhiều người khác. Dựa trên vở kịch năm 1954 của Reginald Rose, 12 Angry Men nung nấu trong những mâu thuẫn giữa một hội đồng xét xử đang nhiệt tình thảo luận về sự kết án hoặc tha tội cho một thiếu niên bị buộc tội giết người. Hầu hết các bộ phim về phòng xử án sau đó đều lấy cảm hứng từ 12 Angry Men, bộ phim này chứa đựng tất cả sự căng thẳng vào một phòng xử án duy nhất nhưng không bao giờ cảm thấy chật chội. 

13. Ben-Hur (1959)

The Ten Commandments không phải là bộ phim bom tấn về tôn giáo duy nhất của những năm 1950. Năm 1959, Charlton Heston đóng vai chính trong bộ phim đắt giải của William Wyler với quy mô không đo lường được. Đúng hàng trăm thợ thủ công làm việc sau cánh cửa, bao gồm 100 người làm đồ trang phục, 200 nghệ sĩ, 10.000 diễn viên phụ cùng khoảng 200 lạc đà và 2.500 con ngựa, tất cả đều cần để đẩy định dạng màn hình rộng mới đến giới hạn của nó. Nhưng nơi Ben-Hur thành công một cách không thể giải thích là cách nó vẫn kể câu chuyện tập trung về Judah Ben-Hur, anh hùng của tiểu thuyết năm 1880 của Lew Wallace về một hoàng tử Do Thái bị nô dịch bởi người La Mã và sau đó gặp gỡ duy nhất một Chúa Jesus. Ngay cả các phần tiếp theo của các bộ phim bom tấn ngày nay cũng không thể so sánh được với sự hùng vĩ tuyệt đối của Ben-Hur.

12. A Streetcar Named Desire (1951)

Dựa trên vở kịch đoạt giải Pulitzer của Tennesee Williams mô tả các mối quan hệ độc hại, phiên bản điện ảnh của Elia Kazan với sự tham gia của Vivien Leigh, Kim Hunter và tất nhiên là Marlon Brando. Southern belle Blanche (Vivian Leigh) di chuyển từ Mississippi để sống cùng em gái trong một căn hộ đổ nát ở New Orleans. Dù có sự giúp đỡ từ tác phẩm gốc đã được tôn vinh, trong đó các diễn viên xuất sắc nhất có thể bắt chước, phiên bản điện ảnh của Kazan là một cơn lốc thực sự trong cách nó tái hiện một số diễn viên vĩ đại nhất mà Hollywood từng thấy ở đỉnh cao của họ.

11.  Paths of Glory (1957)

Trong cuộc trò chuyện về Stanley Kubrick, bộ phim chiến tranh của ông vào năm 1957 Paths to Glory thường bị lãng quên; những tác phẩm xuất sắc khác của ông như 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket, và Eyes Wide Shut thường là những điều chủ yếu mà mọi người chú ý. Nhưng Kubrick đã thể hiện những kỹ năng không bình thường nhưng sâu sắc của mình như một bậc thầy về hình ảnh trong bộ phim thứ tư của mình. Đặt trong Thế chiến thứ nhất ở Pháp, Paths of Glory có sự tham gia của Kirk Douglas trong vai một sĩ quan chỉ huy từ chối tiến lên phía trước trong những cuộc tấn công thực chất là tự tử và sau đó thách thức cáo buộc nhảm nhí của họ trong một phiên tòa quân sự. Kubrick mới 29 tuổi khi ông đạo diễn Paths of Glory, và sự náo nhiệt xung quanh sự chỉ đạo không tì vết của ông đã theo ông suốt nhiều năm sau đó, ngay cả sau khi ông qua đời vào năm 1999.

10. Hiroshima mon amour (1959)

Nếu một giấc mơ gợi dục có thể là một bộ phim, nó sẽ trông giống như Hiroshima mon amour. Trong bộ phim này là một bộ phim hợp tác giữa Pháp và Nhật Bản, đạo diễn Alain Resnais đưa người xem đột ngột vào sự gần gũi của một người đàn ông Nhật Bản (Eiji Okada) và một phụ nữ Pháp (Emmanuelle Riva), cơ thể của họ đầy mồ hôi và tro. Bộ phim diễn ra không theo trình tự, kể về mối lãng mạn ngắn ngủi của hai người lạ này trong xã hội hậu chiến Nhật Bản mới bị ám bởi sự tàn phá hạt nhân. Câu chuyện tình yêu không thể và suy ngẫm về những vấn đề quốc tế này đã giúp đẩy Phong trào Nghệ thuật Phim Pháp tới các khán giả trên toàn thế giới.

9. Chiến tranh của thế giới (1953)

Dựa trên tiểu thuyết của H.G. Wells năm 1898, bản điện ảnh của Byron Haskin năm 1953 đưa ra miền Nam California đương đại làm tiền đề cho một cuộc xâm lược của lực lượng sao Hỏa. Với cuộc phát thanh truyền hình huyền thoại của Orson Welles vẫn còn trong tâm trí của khán giả khi phim ra mắt, Chiến tranh của thế giới tận dụng điện ảnh như một phương tiện trực quan với sự tương phản đáng kinh ngạc giữa các pháo binh nguyên thủy của Lục quân Mỹ và công nghệ hào hùng, ngoài hành tinh của Sao Hỏa. Độc đáo như một bữa tiệc hiệu ứng đặc biệt, nhưng bất tử như một câu chuyện đáng sợ cảnh báo con người không bao giờ được an toàn quá mức như loài thông minh nhất.

8. High Noon (1952)

Được đạo diễn bởi Fred Zinneman, bộ phim miền Tây kinh điển High Noon diễn ra trong thời gian thực khi nó theo dõi một đại uý thị trấn (Gary Cooper) bị kẹt giữa việc đối đầu với một băng cướp một mình, hoặc thoát khỏi cùng với vợ (Grace Kelly) của mình. Với sự lưu giữ mạnh mẽ của anh hùng miền Tây xuống một người đàn ông đối mặt với một đám quỷ ác, High Noon đã giúp tái hiện và tạo mới lại thể loại phim miền Tây trong nhiều năm tới. Không có gì ngạc nhiên khi nhiều Tổng thống Mỹ đã bày tỏ sự ngưỡng mộ đối với High Noon, bao gồm Dwight Eisenhower, Ronald Reagan và Bill Clinton.

7. On the Waterfront (1954)

Lấy cảm hứng từ một loạt bài báo của Malcolm Johnson giành giải Pulitzer cho tờ New York Sun, On the Waterfront tái hợp đạo diễn Eliza Kazan với Marlon Brando trong một bộ phim tâm lý sâu sắc về tội phạm và tham nhũng trên bến cảng của Hoboken, New Jersey. Brando đóng vai Terry Malloy, một võ sĩ quyền anh cũ từng sắp đấu dưới sự yêu cầu của một ông trùm mafia. Bây giờ làm việc như một công nhân bốc xếp, Terry kinh hoàng khi bị ép im lặng sau khi chứng kiến ​​vụ án mạng của một đồng nghiệp trên bến cảng. On the Waterfront là một trong nhiều bộ phim vào đầu những năm 50 sử dụng câu chuyện của mình để lên án McCarthyism, nhưng câu chuyện của nó vẫn có ý nghĩa vượt ra ngoài thời đại đó như một bức tranh về sự bất lực trước sự khó khăn đè nén. 

6. Seven Samurai (1954)

Bộ phim kinh điển của Akira Kurosawa về các samurai hợp sức để bảo vệ một ngôi làng yếu đuối, miễn phí, vẫn truyền cảm hứng và kích thích người xem sau tất cả những năm qua. Với một dàn diễn viên đa dạng do Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi và Toshiro Mifune dẫn đầu, câu chuyện của Kurosawa đã tạo ra một thể loại con riêng của mình, về những người đàn ông hoang dã hợp lực cho một nguyên nhân cao cả hơn là những mục đích ích kỷ. Không chỉ có các bản làm lại trực tiếp, như The Magnificent Seven năm 1960 (mà tái hiện lại bộ phim như một phim miền Tây cowboy), mà còn là những sự tôn vinh tinh thần trong các bộ phim như The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League, và khắp các phần của series Star Wars. 

5. North by Northwest (1959)

Alfred Hitchcock kết thúc thập kỷ 1950 của mình với bộ phim gián điệp North by Northwest, một tác phẩm lớn bền vững. Với sự tham gia của Cary Grant và Eva Marie Saint, bộ phim theo chân một người đàn ông vô tội (Cary Grant) chạy trốn cho mạng sống của mình trên khắp Hoa Kỳ từ các điệp viên bí ẩn tin rằng anh ta đang buôn bán các bí mật chính phủ. Đến năm 1959, Hitchcock đã là một nghệ sĩ được ca ngợi, nhưng với North by Northwest, ông đã củng cố sự xuất sắc của mình trong một bộ phim vừa căng thẳng vừa vui nhộn. 

4. Cửa sổ phía sau (1954)

Trong bí ẩn đô thị căng thẳng này, một nhiếp ảnh gia đang phục hồi từ chấn thương chân (James Stewart) nghi ngờ hàng xóm bên kia đường có thể đã giết người. Với sự giúp đỡ của người bạn gái xã giao không chịu yên (Grace Kelly) và y tá của mình (Thelma Ritter), nhân vật Jeff của Stewart tìm kiếm công lý mà không mất trí. Ngay cả trong thời đại hiện đại, khi các feed xã hội của chúng ta tận dụng đầy đủ kỹ thuật làm phim POV và máy ảnh điện thoại thông minh của chúng ta đã biến chúng ta thành những nhiếp ảnh gia nghiệp dư, bộ phim của Hitchcock cho thấy sức mạnh kịch tính trong một góc nhìn hạn chế.

3. Umberto D. (1952)

Trong tác phẩm kinh điển của trường phái neorealism của đạo diễn người Italy Vittorio De Sica, một người đàn ông già nghèo ở Rome làm mọi cách để sống sót cùng với chú chó của mình. Bộ phim không được khán giả Italy ưa thích khi ra mắt, bởi lẽ cả Italy như một tổng thể đang trong quá trình phục hồi sau chiến tranh và một người đàn ông yếu đuối ăn mày trên đường phố không phải là điều tốt đẹp cho hình ảnh của đất nước. Nhưng khán giả ở mọi nơi đã dần dần ngưỡng mộ Umberto D. như một câu chuyện đầy xúc động khi lòng nhân từ đã bị xói mòn bởi hiện đại. Một tác phẩm kinh điển của điện ảnh thế giới, Umberto D. ít khi có điều gì quý giá để cung cấp nhưng lại mang đến rất nhiều điều để trao đi.

2. Kiss Me Deadly (1955)

Đừng để ai nghĩ rằng những năm 1950 đã bị buộc cổ, lịch sự và đầy giá trị thiện lành, hãy nhìn vào bóng tối của Kiss Me Deadly. Bộ phim chuyển thể từ tiểu thuyết của Mickey Sillane của Robert Aldrich kể về một thám tử, Mike Hammer (Ralph Meeker) nhặt được một phụ nữ đi đường (Maxine Cooper), khởi đầu cho một đêm tồi tệ, khó quên. Được ca ngợi là tiền thân của French New Wave và hiểu như một phép ẩn dụ cho Chiến tranh Lạnh, Kiss Me Deadly đã ảnh hưởng đến những nhà làm phim vĩ đại nhất của điện ảnh bao gồm Francois Truffaut, Jean-Luc Godard, và Quentin Tarantino. Nó đơn giản là một tác phẩm vĩ đại.

1. Vertigo

Bộ phim ly kỳ tâm lý của Alfred Hitchcock, Vertigo, ra mắt vào năm 1958, thường xuyên được đưa vào nhiều danh sách tốt nhất; vào năm 2012, nó nổi tiếng khi đẩy Citizen Kane ra khỏi vị trí số một trong danh sách Tuyệt phẩm điện ảnh của Mắt & Âm thanh. Nó được khen ngợi như vậy với lý do đáng kể. James Stewart đóng vai John “Scottie” Ferguson, một thám tử hưu sau khi mắc chứng sợ độ cao - một nỗi sợ. Nhưng khi Scottie được một người quen thuê để theo dõi vợ họ, Madeleine (Kim Novak), Scottie phải đối mặt với nỗi sợ của mình. Với sự quan tâm của mình đến ám ảnh tâm lý, Vertigo hẹp hòi chia biệt giữa giải trí hỗn loạn và phong cách nghệ thuật cerebral arthouse, đôi khi làm mờ đi hai cái này theo cách mà chỉ có Alfred Hitchcock mới biết. Ngay cả khi bạn không nghĩ rằng đó là 'bộ phim xuất sắc nhất mọi thời đại', nó chắc chắn là một trong những bộ phim xuất sắc nhất của thập kỷ của nó.