[ToMo] Sự Đa Dạng của Bức Tranh: Hành Trình qua Lịch Sử của Sự Đơn Giản Trong Nghệ Thuật Hội Họa

Khái Niệm về Đơn Sắc

Đơn sắc, hay còn gọi là tranh đơn sắc, là một tác phẩm được tạo ra chỉ bằng một màu hoặc một gam màu duy nhất. Tuy có thể sử dụng các sắc thái khác nhau của một màu, nhưng tác phẩm chắc chắn chỉ có một màu cơ bản.

Trong hơn một thế kỷ, các nghệ sĩ đã sử dụng tranh đơn sắc như một công cụ để khám phá tiềm năng và giới hạn của hội họa. Họ sử dụng phong cách đơn giản này để tìm kiếm những biểu đồ và tông màu, hoặc để mở rộng lý thuyết về tự nhiên, siêu nhiên và các vấn đề tâm linh tương tự. Bằng cách sử dụng hình học chính xác hoặc các nét vẽ biểu cảm, tranh đơn sắc đã trở thành biểu tượng của chủ nghĩa hiện đại.

1. Kazimir Malevic

Với niềm đam mê với tốc độ và công nghệ, vào năm 1913, nghệ sĩ Kazimir Malevich cùng với nhà soạn nhạc Mikhail Matyushin và nhà văn Alexei Kruchenykh đã tạo ra một tuyên ngôn tại Đại hội Chủ nghĩa Vị lai lần thứ nhất. Dựa trên niềm đam mê với tốc độ, Malevich đã giới thiệu tác phẩm trừu tượng nổi tiếng của mình, 'Suprematist Composition: White on White', tại triển lãm năm 1915. Bức tranh này, với hình vuông màu trắng trên nền trắng, đã tạo ra cảm giác siêu nhiên và thách thức những quy luật vật lý. Dù lựa chọn màu trắng có thể bị coi là không biểu đạt cảm xúc hoặc lạnh lùng, nhưng bản chất của người nghệ sĩ đã được thấy rõ qua cấu trúc của tác phẩm và niềm tin của ông rằng màu sắc liên quan chặt chẽ đến cảm xúc và sự rộng lượng.

2. Josef Albers.

Josef Albers (1888-1976), một nghệ sĩ Mỹ gốc Đức, được coi là một trong những nhà tiên phong trong lý thuyết về đơn sắc và màu sắc. Sau khi học mỹ thuật tại Trường Bauhaus nổi tiếng ở Đức, ông trở thành giáo sư tại đó. Khi trường bị đóng cửa vào năm 1933, Albers và vợ là nghệ sĩ Bauhaus Annie Albers chuyển đến Mỹ. Tại Mỹ, ông trở thành hiệu trưởng của Black Mountain College, một trường nghệ thuật mới tại Bắc Carolina đã tiếp thu tri thức của Bauhaus. Trong thời gian ở Black Mountain College, Albers bắt đầu nghiên cứu, sáng tạo và thử nghiệm về màu sắc. Năm 1949, Albers rời Black Mountain College để trở thành Trưởng khoa Thiết kế tại Đại học Yale và bắt đầu hành trình khám phá loạt tác phẩm Homage to the Square của mình trong 25 năm.

“Khi ai đó nói về màu 'đỏ', và có 50 người nghe, có thể đoán rằng sẽ có 50 màu đỏ khác nhau trong tâm trí của họ. Và chắc chắn rằng tất cả những màu đỏ này sẽ rất khác biệt.” - Josef Albers, Tương tác màu sắc (1963)

Với ý tưởng đơn giản nhưng hiệu quả, loạt tác phẩm Homage to the Square của Albers bao gồm bốn hình vuông sơn dầu xếp chồng lên nhau trên một tấm Masonite. Các tác phẩm không được sơn trực tiếp mà được tạo ra bằng cách sử dụng dao pha màu trên bảng điều khiển, được ghi lại một cách cẩn thận ở mặt sau của mỗi tác phẩm. Chuỗi tác phẩm này nhằm khám phá sự lừa dối của màu sắc và tầm quan trọng của việc nhận thức hình ảnh.

3. Ad Reinhardt

Adolph Frederick Reinhardt, hay được biết đến với tên Ad Reinhardt (1913-1967), là một họa sĩ trừu tượng hoạt động trong nghệ thuật New York từ những năm 1930 đến 1960. Nổi tiếng với việc định hình các phong trào hội họa tối giản và đơn sắc, Reinhardt là thành viên của Nghệ sĩ trừu tượng Mỹ và tham gia tích cực trong phong trào chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng tại Phòng trưng bày Betty Parsons. Ông lấy cảm hứng từ Bức họa Đen của Kazimir Malevich để sản xuất loạt tranh Tranh đen của mình từ năm 1954-1967. Loạt tranh bao gồm các bức sơn dầu màu đen yên bình trên bức vải, thể hiện sự phức tạp trái ngược với sự đơn giản của chúng.

“Là một nghệ sĩ, tôi muốn loại bỏ biểu tượng gần như hoàn toàn, vì màu đen thú vị không phải với tư cách một màu mà là một thứ không màu và như sự vắng mặt của màu sắc.”

Bức tranh thể hiện không khí của Chiến tranh Lạnh ở Mỹ - Những suy ngẫm của Reinhardt dưới dạng các hình vuông đơn sắc có thể là mong muốn của ông trong việc tạo ra những tác phẩm nghệ thuật có thể vượt qua nỗi kinh hoàng và đấu tranh của sự đối kháng và chiến tranh.

4. Frank Stella.

“Những gì bạn thấy là những gì bạn thấy” Frank Stella (1936) lời giải thích nổi tiếng trong một cuộc phỏng vấn trên đài phát thanh năm 1964 về loạt tranh Black Paintings của ông khi ông chỉ mới ở độ tuổi 20. Ông có bằng cấp về ngành lịch sử nhưng lại có niềm đam mê nghệ thuật, Stella chuyển đến Thành phố New York vào năm 1958 và được truyền cảm hứng từ các sọc và vòng màu của Jasper Johns được trưng bày trong triển lãm cá nhân đầu tiên của ông. Chỉ một năm sau, ở tuổi 23, bốn bức tranh của Stella đã được đưa vào triển lãm của 16 người Mỹ tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại năm 1929. Bốn bức tranh đó là khởi đầu cho chuỗi 23 bức tranh Đen, cũng như danh tiếng của ông với cương vị một nghệ sĩ vô cùng ấn tượng và tài năng. Mở đường cho các nghệ sĩ theo phong cách tối giản ở khắp mọi nơi, Những bức tranh Đen của Stella cố gắng tách mình ra khỏi trải nghiệm của con người và thay vào đó tạo ra một kiến ​​thức hình ảnh mới. Khác biệt với sự thịnh hành Chủ nghĩa Biểu hiện Trừu tượng, các tác phẩm của ông không có sự mơ hồ và có ý định rõ ràng. Những bức tranh đen của Stella với những đường nét trắng góc cạnh trên nền vải sơn đen đã tạo ra những họa tiết đầy mê hoặc và đôi khi gây chóng mặt mà không hề ẩn chứa ý nghĩa gì.

“Bức tranh của tôi dựa trên thực tế là chỉ có những gì có thể nhìn thấy được ở đó. Nó thực sự là một vật thể. . . Tất cả những gì tôi muốn mọi người nhận được từ tranh của tôi, và tất cả những gì tôi nhận được từ chúng, là việc bạn có thể nhìn thấy toàn bộ ý tưởng mà không có bất kỳ sự nhầm lẫn nào… Những gì bạn thấy là những gì bạn thấy.”Frank Stella, 1964.

Stella tiếp tục trở thành nghệ sĩ trẻ tuổi nhất trình diễn một buổi triển lãm cá nhân tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở New York và đã tạo ra hàng trăm tác phẩm nghệ thuật kể từ đó. Tuy nhiên, Những bức tranh đen của ông đã được ghi nhận trong lịch sử vì đã mở ra cánh cửa cho khả năng sáng tạo nghệ thuật bên ngoài cảm xúc và trải nghiệm của con người.

5. Yves Klein.

Họa sĩ người Pháp, Yves Klein (1928-1962) đã có một bước tiến mới trong sự nghiệp nghệ thuật của mình khi tạo ra một màu sắc mới: International Klein Blue. Được phát triển với sự hợp tác của Edouard Adam, một nhà cung cấp sơn của Pháp, chất màu này sử dụng chất kết dính nhựa tổng hợp để tạo huyền phù cho màu sắc và làm cho màu xanh trở nên đậm nhất có thể.

“Màu xanh là gì? Màu xanh là cái vô hình trở nên hữu hình. Màu xanh không có kích thước, nó vượt ra ngoài kích thước của các màu khác.”Yves Klein.

Klein bắt đầu gắn liền với màu sắc này ngay khi ông nổi tiếng tuyên bố rằng bầu trời xanh là tác phẩm nghệ thuật đầu tiên của mình. Từ đó, màu International Klein Blue của ông gần như trở thành một thành phần không thể thiếu trong các tác phẩm của ông, ông sử dụng màu sơn này để tạo ra những tác phẩm trừu tượng đơn sắc bao phủ toàn bộ những bức tranh canvas rộng lớn. Ông ấy thậm chí còn tạo ra một tác phẩm chỉ bằng bột màu và cơ thể phụ nữ trên canvas. Klein coi hội họa đơn sắc là sự tự do và tuyên bố việc sử dụng nó để giúp ông “đắm chìm trong sự tồn tại vô tận của màu sắc”.

6. Lucio Fontana.

Lucio Fontana (1899–1968), nghệ sĩ người Ý gốc, nổi tiếng với việc lồng ghép không gian ba chiều vào các bức tranh của mình, được biết đến như là người sáng lập Chủ nghĩa không gian. Loạt tranh đơn sắc Concetto Spaziale (Khái niệm không gian) của ông đạt được chiều thứ ba một cách kỳ diệu, thông qua việc cắt hoặc đâm thủng bức vải, để lại những lỗ thủng và vết cắt trong tác phẩm. Đặc điểm này làm nổi bật không gian phía sau bức tranh, tạo sự chú ý đến khán giả về những không gian và hình thức mới. Bị ảnh hưởng bởi những tuyên bố trước Thế chiến thứ nhất của những người theo chủ nghĩa Tương lai, Fontana đã tìm cách tích hợp các vật liệu và tác phẩm của mình vào không gian theo những cách mới đồng thời tạo ra ngôn ngữ biểu đạt bằng cử chỉ thông qua chuyển động.

7. Robert Ryman.

Nổi tiếng với những bức tranh trắng trên nền trắng tối giản và đơn sắc, họa sĩ người Mỹ Robert Ryman (1930-2019) tự xem mình là một người theo chủ nghĩa hiện thực, ông giải thích:

“Tôi không phải là họa sĩ vẽ tranh. Tôi làm việc với ánh sáng và không gian thực, và vì ánh sáng thực sự là một khía cạnh quan trọng của các bức tranh nên nó luôn đem đến một số vấn đề.”Robert Ryman

Quan tâm đến việc trình bày các tác phẩm của mình một cách đơn giản và nghiêm túc, các tác phẩm của Ryman được sơn màu trắng hoặc trắng nhạt trên các tấm vật liệu hình vuông. Bằng cách sử dụng nét vẽ lấy cảm hứng từ chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, ông thích thử nghiệm các vật liệu nghệ thuật khác nhau, không giới hạn bản thân ở những bức vẽ truyền thống mà còn kết hợp vải lanh, thép, giấy dán tường, ván lông, giấy báo, vải bố và nhiều bề mặt khác để sử dụng cho các tác phẩm đơn sắc của mình.

8. Agnes Martin.

Các tác phẩm trừu tượng lấy cảm hứng từ thiên nhiên của nghệ sĩ người Mỹ gốc Canada Agnes Martin (1912-2004) là minh chứng cho tuyên bố của bà vào năm 1972 “Mọi thứ đều có thể được vẽ mà không cần thể hiện”. Mẫu ký tự đặc trưng của bà tạo nền tảng cho những bức tranh đơn sắc về các đường ngang và xen kẽ vào nhau. Được tạo ra gần như hoàn toàn trên tấm vải canvas dài 6 feet vuông, những bức tranh hình học hời hợt của bà gắn kết với sự hữu hình và tự nhiên.

Sự biến đổi trong kích thước, gam màu và nhịp điệu trong từng tác phẩm; Bức tranh lưới của bà chỉ mang tính hệ thống một phần - đặc biệt khi so sánh với các tác phẩm của các nghệ sĩ theo phong cách tối giản khác. Việc sử dụng phấn màu và màu sắc nhẹ nhàng, than chì nhạt và đôi khi có những nét chấm hoặc chấm tạo ra một khung cảnh để suy ngẫm sâu sắc và trầm ngâm tĩnh lặng: một khoảnh khắc tôn kính giữa tác phẩm và khán giả.

9. Ellsworth Kelly

Mặc dù ông có thể nổi tiếng nhờ cách làm và sự kết hợp màu sắc sống động, nhưng khoảng 20% ​​bức tranh của Ellsworth Kelly (1923-2015) được hoàn thành bằng màu trắng đen. Họa sĩ, nhà điêu khắc và thợ in người Mỹ luôn quan tâm đến những hình khối xung quanh ông trong cuộc sống hàng ngày, và vì thế, ông đã áp dụng chúng vào nghệ thuật của mình.

Bằng cách làm việc với màu đơn sắc, sự phân tâm của màu sắc và ý nghĩa tương ứng đã bị loại bỏ và Kelly có thể tận hưởng những quyền tự do mới để tập trung vào hình thức. Hình học và hữu cơ, các tác phẩm đơn sắc của ông đôi khi sao chép trực tiếp các hình dạng có thật trong cuộc sống, chẳng hạn như 'Cửa sổ' nổi tiếng của ông, được trưng bày tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, Paris được tạo ra để phù hợp về diện tích và chiều sâu với cửa sổ mà ông đã gặp trong bảo tàng. Các tác phẩm đơn sắc của ông rất đa dạng về chất liệu, từ hội họa đến điêu khắc, nhưng tất cả đều mang tính suy ngẫm nổi bật về hình dạng; không có sự can thiệp của các mối quan hệ giữa các màu sắc.

10. Olivier Mosset

Olivier Mosset (1944- ), một nghệ sĩ người Thụy Sĩ, là một thành viên quan trọng của nhóm nghệ thuật tối giản Partis BMPT, ông tận tụy khám phá và loại bỏ những ý tưởng cố hữu về ý nghĩa của việc trở thành một nghệ sĩ. Nổi tiếng với những tác phẩm đơn sắc quy mô lớn, nghệ thuật của Mosset có thể được xem là rõ ràng và không có phép ẩn dụ.

Hiểu rõ các mô hình lặp lại và loại bỏ tính chủ quan, Mosset đã sáng tạo hơn 200 bức tranh sơn dầu giống hệt nhau với vòng tròn nhỏ màu đen ở trung tâm tấm vải trắng từ năm 1966-1974. Sự khám phá này thách thức những quan niệm định sẵn về nghệ thuật sáng tạo và mọi tác phẩm của ông đều mở rộng từ trừu tượng khái niệm này. Tác phẩm của ông, hoàn toàn về màu sắc và hình dạng, cho phép sự diễn giải và trải nghiệm vô tận.

11. Gerhard Richter

Trong một khoảnh khắc đầy đối lập, họa sĩ người Đức Gerhard Richter (1932- ) đã tạo ra loạt tranh đơn sắc toàn màu xám ngay sau khi ra mắt bộ tác phẩm màu sắc rực rỡ. Những khám phá về màu xám đã thúc đẩy ông giải thích sự quan tâm của mình đối với màu sắc.

“Màu xám là biểu tượng của sự không có ý nghĩa. Nó không khơi dậy cảm xúc hay liên tưởng, thực sự không nhìn thấy được cũng không vô hình... Không giống như các màu khác, nó phù hợp để minh họa cho 'không có gì'.” - Gerhard Richter

Những tác phẩm phẳng như bức tường bê tông của ông vào những năm 1970 khám phá khả năng nghệ thuật của ông để tạo ra sự thiếu ý nghĩa, cảm xúc và ấn tượng. Tuy nhiên, gần đây, vào đầu thế kỷ này, Richter đã khám phá gam màu này cùng với khả năng phản chiếu. Sử dụng chất liệu thủy tinh trong bộ sưu tập đơn sắc mới Eight Grey, bề mặt phản chiếu kết hợp người xem vào chính tác phẩm, nhấn mạnh tính thực tế của trải nghiệm và cảm nhận cá nhân.

12. Christopher Wool

Gắn liền với việc sử dụng các bức tranh đơn sắc, bao gồm các bức tranh sơn dầu với những chữ lớn màu đen trên nền vải trắng, tác phẩm của nghệ sĩ người Mỹ Christopher Wool (1955- ) khám phá sự giao thoa và khoảng trống giữa sự tiết lộ và sự che giấu.

Ban đầu, Wool in các yếu tố đơn sắc lấy từ các bức ảnh hoặc hình ảnh tái tạo từ các bức tranh của chính mình lên canvas. Sau đó, ông phủ từng lớp sơn trắng lên tác phẩm. Lớp sơn này tạo hiệu ứng làm mờ, tẩy xóa và che phủ, tạo ra cảm giác thoáng qua như bóng ma của tác phẩm trước đó. Kết quả là các bản thảo có thể được nhìn nhận bình đẳng về những gì chúng tiết lộ cũng như những gì chúng che giấu.